SOCIOLOGIA CONTRAATACA

artículo de Nicolás Bohler aparecido en "Miradas al Sur( Versión original)

2012-01-24T03:21:00.000-08:00

Giglio vs Lampedusa

Quo vadis Europa?

El último opus de Jean-Luc Godard, Film Socialisme, muestra el fin de un mundo, la espeluznante agonía de Europa. Se inicia a bordo de un gigantesco crucero con una máxima que dice lo siguiente: “El dinero es un bien público, como el agua”.
El viernes a la noche fue ese mismo crucero de Godard que encalló a metros de la pequeña isla de Giglio. Ay, Italia! Perdiste todo pero supiste conservar tu tesoro más valioso, la mise en scène, para regalarle al planeta despavorido la alegoría más espectacular de la muerte ya consumada de un mundo, llámese Europa.
Ay, Europa! Un coloso de 114.500 toneladas, personificación inapelable de tu deriva consumista poscolonial, se cae con todos sus spas, sus piscinas, sus gimnasios, sus canchas de tenis, su solarium, su cine 4D y su casino, para agonizar de costado frente a una bonita isla de la costa toscana, como un bello recuerdo que endulza la muerte. La máxima de Godard el brujo (es que las noticias se empecinaron en alcanzar la cruel realidad exhibida por la película - Ay, Grecia!) era en realidad un vaticinio: ahora sí, el dinero es un bien público, como el agua, toda la guita del blackjack en el Mediterráneo, las Mastercards flotando alrededor de las lanchas de pescadores.
En francés se usa la misma palabra para decir “encallar” y para decir “fracasar”: échouer. De hecho ya están buscando al responsable del fracaso y se conforman con acusar al capitán que no es nada más que un fanático de Godard, pobre hombre. A los responsables de toda manera siempre se los busca demasiado tarde. Cuando quedan restos nomás. Ay, Europa! Qué desgarrón en tu casco, te quedaste sin sangre.
Del naufragio del Joola, ferry senegalés que unía Dakar a la región de la Casamanza y que causó la muerte de 1863 personas en el año 2002, no se acuerda nadie. Pero claro, ahí adentro cero luna de miel, y total se perdió poca guita. En cambio, los del Concordia perdieron todo che: equipaje, llaves y documentos en regla!
El Mediterráneo hace rato que se llena de cadáveres. Lampedusa, otra isla bonita. Ya son miles los migrantes africanos que murieron ahogados frente al territorio italiano ubicado más al sur, aunque pertenezca geográficamente a África ya que el lecho marino entre ambos no excede los 120 metros de profundidad – suficientes para ahogarse. Ahogados por querer forzar el ataúd, sin despertar piedad alguna en los ministerios de Roma, ocupados que están con su propia ceremonia fúnebre.
Ay, Europa! Te moriste dos veces, pero siempre en el mar. Llámese la mise en obscène.

Nicolas Bohler

VIDEO "TALLER DE BRANDSEN. TRES ARTISTAS UNA OBRA" Pomarola Talk, Nicolás Bohler, Diego Bugallo.

2012-01-18T08:05:00.000-08:00

El 19 de noviembre de 2011 se realizó en el Taller de Brandsen, República de La Boca, la muestra Tres artistas una obra, con Pomarola Talk, Nicolás Bohler y Diego Bugallo. Aquí el video hecho por el realizador Lucas Rubinich III

http://www.youtube.com/watch?v=YBw47dOjiws

Fiesta.Qué fantástica, fantástica esta fiesta...

2011-11-25T18:56:00.000-08:00

El programa "Ni víctimas ni verdugos" se escucha todos los martes de 22 a 23hs. por
http://www.realaradio.com.ar/. Allí, en la noche, están Pomarola talk (creadora del concepto del programa), junto a Lucas y Pancho. Este martes 22 de noviembre, en el espacio singular de la REA se festejaba el cumpleaños de José Luis. Allí en la vereda de la calle angosta empedrada se habían sacado mesas y sillas. En la vereda de enfrente donde hay un edificio de lo que fue una gran fábrica de zapatos, se hacen los asados. Esa noche había asado. Adentro Martín tapaba con una lona la vieja imprenta alemana de tipos del año 1900, en el techo estában colgados algunos de los afiches que diseña Superabundan haut. La mesa donde están sentados los conductores está al lado de una de las viejas vidrieras que separan la REA de la vereda. Hay un público que son los invitados al cumpleaños, Marina Oybin que vino con su amiga natalia quien prometió escuchar el programa desde París, tres amigos brasileños ( que los conductores prometieron serían obsevados lombrossianamente para ver cada comportamiento del ser biológico brasileño, ante la situación de fiesta. Como mecanismo de control el experimento atendería también a Nicolás Bohler, francés abrasilerado con influencia alemana - Alsacia y Loena). En el comienzo del programa que tiene como cortina La marcha de San Lorenzo por Billy Bond y la pesada del rock and roll, Pomarola leyó unas frases de Bachtin, porque hablaba de la fiesta y para complacer a un oyente que escucha en su mañana de Vladivostk el programa. Leyeron fragmentos de Filosofía en el tocador, y Nicolás Bohler, invitado, habló de Baudrillard y de Baudelaire. Pero esas pequeñas frases eran los pies para posteriores intervenciones que negaban lo anterior y hablaban de lo sentidos comunes sobre la fiesta y volvían a repetir que estaban observando a Sacha Manoela y Nubia. Sobre todo en el fin de cada bloque, cuando con una introducción de Fiesta de Raffaella Carrá, se escucharon temas de Carmen Miranda. Hablaron de Carmen Miranda, de su experiencia en Hollywood, y que ella dijo "diseron que voltei americanisada". Bueno, en fin, hay que escucharlo ( está en el blog de la radio) porque fue muy intenso, divertido, cínico, etc, etc. Las fotos de mi amiga Manoela Cardoso dicen algo del buen clima de NVNV y de la magia de la REA.

Geraldina Dean, que en reacción a su padre académico se dedica a indagar en los sentimientos de la gente común, presentó la sección Consultorio sentimental, en la que además de Geraldina, todos responden las preguntas de los oyentes sobre las angustias del amor y el deseo.

Patricio Dean

Experimento de ruptura: clase performance de Lucas en Socio general

2011-11-13T19:51:00.000-08:00

Video de la Clase performance en Youtube

http://www.youtube.com/watch?v=NYuXeMx__h4

Me habían contado de esas verdaderas performances sociológicas que hacían unos sociólogos en California hacia los años sesentas. Experimentos de ruptura las llamaban y consistían en quebrar el fluir naturalizado de la vida cotidiana, precisamente para desnaturalizar, para producir una atención sobre todo lo que se da por supuesto en las más pequeñas cosas de la vida cotidiana y en todo tipo de relaciones sociales. Ahora leí que Harold Garfinkel proponía ejercicios a sus estudiantes que consistían, por ejemplo, en comportarse como extraños en su propia casa y otras cosas más que a la par de provocar conflictos entre los experimentadores y su entorno, resultaban divertidas. Lucas hizo eso o algo parecido en su clase performance que queda registrada en este videoclip tranquilo. Y solo se lee así (como experimento de ruptura) si se incorpora la dimensión temporal, la historia, lo que viene pasando hasta ese momento como rutina en ese lugar.
Lucas nunca usa traje, por lo menos para ir a la facultad (dicen que fue de traje a un casamiento reciente). El traje, sino en toda la facultad, seguramente en Sociología es una indumentaria extraña. No es esperable ver a Lucas dar clase de traje y tampoco portando clásicos anteojos de sol. Mucho menos es que una chica rubia amable, mesurada y bella anuncie al profesor como lo que es: profesor titular, y también el título de la clase que es algo así como: “La Doxa como sinónimo de alienación. Los experimentos de ruptura etnometodológicos”. Tampoco es lo corriente que Lucas hable todo el tiempo tan serio, como un profesor. Además, está el ambiente: la estudiante bella y correcta, expresándose con extrema formalidad y el traje y la formalidad relativa que pudo sostener Lucas, contrastan con la escenografía de mayo del 68 parisino. También contrasta con un viejo escritorio de madera roto, ventanas deterioradas y sillas poco elegantes. En esa situación Lucas lee esa pequeño texto de Macedonio Fernández que exactamente construye una situación en la que el quiebre contundente con lo esperado, provoca en el sujeto de la experimentación, la pérdida de su vida. El cuento, su lectura, la llegada de Lucas a la facultad son una verdadera performance, que es ni más ni menos que lo que hace casi siempre: clases performances con distintas estéticas y entonces diferentes sentidos.
Pomarola Talk

WINDOWS, de Mariela Scafati

2011-11-01T12:11:00.000-07:00

TODAS LAS FOTOS EN

https://picasaweb.google.com/sociologiacontraataca/MarielaEnAbate?authkey=Gv1sRgCKPVoviDx4OaRQ#

Se vienen las rojas

Sociología Contraataca estuvo en la muestra de Mariela Scafati en la Galería Abate el viernes 28 de octubre. Y estuvimos en un momento privilegiado: ese viernes a la tarde en el que estaba la artista con amigos, todos sentados en la alfombra que es parte de la obra. Allí se iban a escuchar las poesías de Charlie Gradin, de su nuevo libro Spam y tocarían sus canciones las dos músicas pilares del grupo “Orquesta Roja”, Lola Granillo y Magdalena Jitrik.. Y ocurrió eso efectivamente. Tocó “Orquesta Roja”, recitó Gradín, charlamos y quizás allí produjimos una de las múltiples posibilidades que construye a la obra reflexiva de Mariela Scafati como tal, como obra. En este clima, cuando los rayos del sol comenzaban a recostarse sobre el horizonte urbano, se produjo, reforzando los hilados de un tejido circunstancial, un encuentro entre dos Gradines que circulando mundos cercanos no se conocían, pero tenían historias comunes y lazos de sangre. Esto ultimo para continuar con el coloreado pertinente de una introducción al intento de decir algo sobre la obra Windows de Mariela Scafati.

La obra Windows de Mariela Scafati- 36 afiches, pegados en la pared con fondo en variaciones de rojo y frases dibujadas en letras blancas, y otras cosas más-, dice algo, y de manera tranquila pero a la vez vital, sobre los gestos de voluntad, armados sobre el fin de una época, que se imaginan mejores formas de vida colectiva. Y se reafirma lo de de fin de una época porque hay elementos en la obra de presunción fuerte sobre que eso es así. A la vez que no se trazan horizontes luminosos. Ni regodeo construyendo algo que de cuenta de un mundo que oprime, ni futuros esperables Hay una mochila con pedazos de tradiciones rebeldes y un futuro no configurado; y con ella al hombro, se camina vitalmente y con alegrías tranquilas no exentas de desconciertos, el mundo incierto que se va armando sobre la marcha y en el que se desea participar. Los objetos artísticos se construyen con elementos de las tradiciones múltiples del propio campo artístico a la vez que con cualquier otro elemento de la vida. La manera de relacionarse con eso otro remite también a una u otra tradición. Esta es una obra conceptual, y política, que se vale de un recurso común para decir cosas al mundo, los afiches. Pero lo hace reivindicando elementos clásicos y diversos de tradiciones fuertes del campo artístico. En un gesto de implicación con elementos cotidianos de algunas tradiciones políticas, pero construidos desde tradiciones estéticas. Están los rectángulos, sin bordes totalmente explícitos, pero marcados por la diferencia de rojos y por el mismo límite del papel; están las frases que no son el concepto con soporte intrascendente, sino que se asientan sobre esos rectángulos en rojos variados y pintadas con pincel blanco. Y para reafirmar su materialidad clásica están las obras de Scafati recostadas sobre una pared y la materialidad densa de los colores en las obras pequeñas. Obra conceptual que recurre, o cita, a la materialidad específica densa del color; obra política que levanta banderas, o mejor, propone ventanas ambiguas, portadoras de una calma alegría.

Scafatti pegó los afiches de 1,10 por 1,40 cm., desde el piso hasta los tres metros treinta en una sala rectangular que corta alguna de las paredes con puertas y ventanas: seis en cada una de las paredes cortas y dieciocho en la larga sin puertas ni ventanas. Esos tres lados son una continuidad de 30 afiches en papel con distintas variaciones del rojo. Sobre ellos hay diferentes frases en letra de imprenta de distinto tamaño dibujadas en blanco con pincel. Son una unidad. En una de las esquinas el afiche se continúa 20 o 30 centímetros en la pared pequeña. Sus contornos se pueden adivinar por la culminación de la frase, o el cambio de tonalidad, en las variaciones del rojo. En la pared larga en la que hay puertas de doble hoja y ventanas a cada costado, están pegados otros seis afiches más, uno de los cuales no tiene dibujada una frase. En el piso, una alfombra rectangular de aproximadamente 4,40 por 1,40, con tres rectángulos centrales y seis laterales pequeños. El del centro es rojo y tiene la palabra MAR en letra de imprenta en el medio y los dos grandes de los costados son de un anaranjado claro, amarronado. Los dos pequeños del centro son rosas y los cuatro laterales de las puntas son de color azul.

Sobre una de las paredes pequeñas y cubriendo parcialmente los afiches que están pegados desde el suelo hay un mueble de madera. Una especie de mesa repisa y al lado una tabla de planchar también de madera. Debajo de la mesa, y recostados sobre la pared empapelada de afiches, cuadros de Mariela Scafatti de hace diez años atrás. Figuras abstractas geométricas de pulso sin regla. Gruesas líneas marrones con bordes más claros y fondo azul, otra una cruz marrón gruesa entrelazada con una equis bordó con borde amarillo oscuro y fondo rosa. Dos o tres más atrás de esta y otras dos detrás de la anterior. Delante de la primera dos o tres cuadros pequeños con figuras del mismo estilo. La repisa tiene dos estantes. En el de arriba hay tres obras; pequeñas, de marco grueso, que dejan ver al color hecho forma, en su materialidad espesa. El estante de abajo está dividido en tres: un espacio amplio en el medio y dos pequeños a los costados. En uno de los costados una caja de madera que puede ser un marco, pero puesto en posición horizontal y allí nuevamente la densidad de los colores hecho pura materia espesa, en el otro una masa a lo que no se la ha dado forma supuestamente trabajada por las manos, sostenida y envuelta por un papel metalizado. En el espacio del medio tres juegos de platos blancos que tienen el fondo circular intervenido con variantes claras del rojo.

El conjunto no es el resultado de una curadoría que organiza el material del artista en una sala. Este conjunto, obviamente, es la obra, en el sentido más unívoco. En este objeto, en la sala intervenida por la artista, hay al menos, tres elementos que permiten organizar una argumentación para decir algo sobre Windows. En primer lugar las frases dibujadas en blanco sobre esos fondos rojos diversos; en segundo lugar el color, ese color rojo más precisamente, y sus variaciones, y; en tercer lugar, la pared pequeña en donde están la repisa con sus obras y los telas abajo, recostadas en la pared.

Las frases como es obvio dicen algo y por supuesto cada una de ellas dice algo. Pero quizás todas en esta obra se organicen a partir de una de ellas que está dibujada-escrita, en inglés: “it's the end of the world, as we know it (and we feel fine)”.Es el título de la canción del grupo de rock alternativo de Georgia EEUU, R.E.M y es de 1987. Es una cita porque son todas citas: de la web, del habla de la vida cotidiana, de una canción, del heterogéneo que da cuenta de un clima que no tiene programa pero que intuye terrenos comunes. Quizás es la frase más potente y esta escrita en la lengua más universal del presente porque trasciende a la propia sociedad aunque se percibe con fuerza en la propia sociedad. Los afiches con frases, con consignas forman parte de la lucha política revolucionaria desde los albores del siglo XIX y todo el XX. Se transformaron en objeto de consumo luego del mayo de 1968 y en reflexión irónica por parte de un artista conceptual latinoamericano. Los chinos se valieron de los afiches pegados en la pared con caracteres manuscritos, los dazibao, como forma de proponer a la lectura pública temas morales y políticos desde la china imperial. Los dazibao se difundieron como objeto exótico con fuerza en el occidente moderno en época de la revolución cultural Las universidades en argentina que albergan carreras humanísticas y sociales continúan con la presencia de tradiciones de izquierdas y en ellas también la tradición cartelística artesanal. La obra de Mariela Scafati podría, por ejemplo, ser un readymade del hall de la Facultad de ciencias sociales de la UBA, y a primera vista puede parecerlo, pero no lo es. No lo es porque los construyó la artista, pero no lo es porque los significados son diferentes. No solo porque estos elementos que arman la obra están en una galería de arte, sino porque el objeto en su totalidad es otra cosa, aunque es un objeto político y a diferencia de los carteles, es de fuerte productividad política. Es arte político porque construye ventanas ambiguas y alegres para dar cuenta de una zona ambigua, pero con potente potencialidad, que forma parte de un clima cultural con vocación alternativa sin identidades claramente delineadas. Su potencia, está, paradójicamente, en su ambigüedad. No hay consignas fuertes, contundentes, salvo la que anuncia que se ha terminado una época y que eso puede ser motivo de alegría. Hay subjetividades personales en las frases y también palabras de otra época. Se dice “prensa burguesa” y “barricada” pero asociados a otros significantes no habituales a las viejas tradiciones políticas: Hay mención a acontecimientos políticos recientes mezclados con citas de la vida cotidiana y subjetividad individual: “que bueno lo de cristina”, “mi corazón está en la cancha de Huracán”. Está la palabra “peronismo”, pero también la frase ”Soledad constante, incluso entre la multitud” que puede remitir a Baudelaire o a un análisis de Durkheim. Y los afiches son rojos, pero no un solo rojo, sino variaciones del rojo hasta el rosa.

Los que han estudiado el significado histórico de los colores en base a experiencias sociales concretas, recuerdan la centralidad del rojo, tanto que se puede hablar de un pleonasmo dirá Michel Pastoreu uno de esos estudiosos. Coloratus en latín y colorado en castellano significan a la vez rojo y coloreado. En ruso Krasnoi significa tanto rojo, como bello, hermoso. Es el rojo importante en el mundo católico y símbolo de poder, pero también es pecado, lo prohibido. Aunque esté el rojo de Mondrian, la génesis del rojo que aquí interesa para decir algo de la obra Windows, de Mariela Scafati que tiene como uno de los elementos centrales las variaciones sobre el rojo, es la del rojo político moderno de la revolución francesa. En octubre de 1789 la Asamblea Constituyente decretó el uso de la bandera roja colocada en los cruces para señalar la prohibición de formar grupo y advertir sobre la intervención de la fuerza pública a quien violara esa regla.. Cuando el 17 de julio de 1791 una muchedumbre de ciudadanos de París se reunió en el Campo de Marte para exigir la destitución de Luis XVI detenido en Varennes, el alcalde de París ordenó izar la bandera roja presuponiendo una amenaza de motín. Ante esa señal los guardias nacionales dispararon sobre la muchedumbre y hubo cincuenta muertos que se transformaron en mártires de la revolución.
Esa bandera roja, teñida con la sangre de los mártires, es invertida en su significado, apropiada por el pueblo rebelde, y convertida en emblema de ese pueblo y de la revolución en marcha. Los revolucionarios de 1848 adoptaron esa bandera roja y la propusieron como bandera de Francia. Una obra de Henri-Félix-Emmanuel Philippoteaux (Lamartine devant l'Hôtel de Ville de Paris, le 25 février 1848) muestra a un pueblo alzado frente al ayuntamiento portando una bandera roja y a Alphonse de Lamartine, poeta, miembro del gobierno provisional, rechazándola como pabellón del terror y reafirmando la tricolor. En marzo de 1871 cuando los revolucionarios de la Comuna de París tomaron ese mismo lugar enarbolaron en los mástiles del edificio nuevamente ese símbolo rebelde y Marx observó como entonces el “ viejo mundo se retorció en convulsiones de rabia ante el espectáculo de la Bandera Roja” Roja será la bandera de la revolución moderna, tanto que la rusia soviética la adoptó como bandera nacional en 1918 y la revolución china como la de la república popular en 1949.
No es el rojo fuerte de la tradición revolucionaria, en el sentido unívoco, el color predominante en la obra de Mariela Scafati. No es el único rojo, porque ese que asustaba y producía rabia perdió productividad y recolocarlo sin más hubiese significado colgar íconos rebeldes del pasado que actúan en el presente como objeto exótico, posible de ser admirado en tanto ornamento por quien en momentos de su productividad política le hubiera temido Son variaciones del rojo las que hay. Distintos rojos, múltiples rojos que incluyen los rosas. No hay contundencia ni afirmación agresiva en el color como no la hay en las frases que tampoco son consignas en el sentido político más clásico. No se escapan de la pared en forma amenazante con el puño en alto. Están allí en la pared como objeto reflexivo y productor de reflexividad. Intervienen en el presente porque son familiares, pero incluidas como elementos de este objeto, problematizan, dicen algo, en el sentido más fuerte. Pero al fin y al cabo, porque están en un afiche y rojo, aunque disgregado en distintas variantes, hay citas a una tradición poderosa en partes de los siglos XIX y XX. Hay pedazos significativos de esa tradición en el objeto que construye Scafati, como también necesidad de reafirmar zonas imaginadas como más específicas del mundo artístico contemporáneo, en las mismas líneas y tratamiento del color en los afiches, pero muy explícitamente en las obras recostadas en la pared, en la materialidad del color de las obras pequeñas, en los platos intervenidos.
La alfombra, además de una de las obras de hace diez años recostada en la pared, es el único objeto que tiene el color azul al que el gusto predominante puede caracterizar como sobrio. Es donde nos sentamos a escuchar a Orquesta Roja y la lectura de poesías. Quienes estábamos allí realizábamos de manera contundente el aspecto central reflexivo de la obra. Porque no son afiches para levantar, sino ventanas múltiples que recortan una zona ambigua de un mundo complejo en reacomodamiento. Y esa zona ambigua no es cualquier cosa, se arma con pedazos de tradiciones rebeldes en descomposición y con experiencias del presente. Interviene como arte político calmo dando cuenta de un mundo que se está yendo, tanto como de múltiples formas, relaciones y sensaciones atadas con alambre, que están siendo parte de un nuevo momento y cuyos sentidos se irán configurando en la práctica concreta. También es arte político porque interviene proponiendo implicaciones a formas más encerradas en sí mismo del arte contemporáneo. Scafati, la de los afiches, es la Scafati abstracta y la que recupera la materialidad del color, la que se mueve sin inhibiciones entre la pequeña serigrafía de agitprop en una remera, el dibujo naif en un rollo para empapelar y la fortaleza de sus abstractos en papeles o telas cosidas. Por supuesto que se ha construido y se “lee” Windows desde el arte contemporáneo, pero Mariela quizás ha necesitado reafirmar que desde ninguna zona específica dogmatizada, sino de cualquiera de ellas.
L.R

Intervención rosa en situaciones de peligro extremo

“Hay rosa Dior, rosa Luxemburgo, rosa Sandro, rosicler, rosa chicle, rosa brumoso” me dice Mariela. Se deleita diciéndome los nombres de los colores y mostrándome los grandes paneles “rosas, rojos, corales” que empapelarán las paredes de la galería de su próxima muestra, Windows. A medida que habla, entreveo que hay en la muestra un goce todavía mayor que el de decir y mostrar: se trata del goce que anuda la percepción del color con las expresiones de las palabras. ¿Por qué hay algo más ajeno a los colores puros que las palabras, que vienen a escindir, a molestar lo que se presenta como el grado cero de la pincelada en los monocromos? Entre una cosa y otra, entre el color y la palabra, en ese nudo que sólo se produce en las transversales inesperadas y a la vez deseadas que en la obra de Mariela Scafati fundan la promesa de la política. Pero vamos por partes, porque antes de hacer el nudo, antes de entrar (o salir) en el arte y en la política, hay que ver con qué contamos.
Por un lado, los monocromos: empapelan las paredes, crean el receptáculo, la tabula rosa, la ceremonia, revisten nuestra percepción para hospedar el lugar por el que nos desplazamos. Las referencias estéticas son, curiosamente, las mismas que las de la abstracción de los años cincuenta: Piet Mondrian, Kazimir Malévich, Mies Van der Rohe (¡less is more!). Pero si en los cincuenta lo que importaba era la experimentación artístico-científica, la relación entre el color y la geometría, lo que interesa ahora es la liberación energética de los colores. ¿Qué pueden hacer los colores en un acto o en una marcha? No la ciencia sino la política, no el cálculo sino la acción. Una liberación de la pintura para acceder a la pincelada, a su grado cero: observen de cerca los paneles rosas. Hay algo frenético y a la vez sumamente calmo, adivinamos una obsesión pero también queremos acostarnos en la alfombra para descansar con los colores. Observar la pintura suspendida, la vocación suspendida, la evocación suspendida, el suspense de lo que quedó, del resto, de esos colores que son el último orejón del tarro. Amenaza y promesa: el acontecimiento.
Retorna la tradición geométrica y sus colores puros pero la geometría es desplazada hacia los bordes, a los marcos de las telas y de las ventanas. La pregunta ya no es la misma de los años cincuenta cuando todo giraba alrededor de la esencia de la pintura. Ahora los interrogantes son: ¿dónde comienza / termina una obra y qué significa un marco? ¿cuándo ya no es posible la pincelada? ¿cómo se pone una cosa al lado de otra? Por ejemplo, el color y la palabra, el arte y la política, la obra que terminó ayer y la que hizo hace diez años. En un momento de su vida, a principios de este nuevo siglo, Mariela comenzó a agregar tela a sus cuadros, a desplazar los soportes de madera, a seguir sus geometrías hasta el borde último del cuadro. Ahora hace lo mismo pero ligeramente diferente y esa diferencia es esencial: pinta los paneles, construye una maqueta de la galería y después deberá montar todo no mucho tiempo antes de la apertura. En el montaje, habrá que ajustar obra y galería hasta llegar a los bordes mismos: porque eso es lo que importa en las ventanas, lo que se ve a través de ellas se define por los bastidores que la unen y la separan con el afuera. Windows, ventanas, superposición de tiempos. Por eso el rosa, el monocromo, que es un comienzo, un recomenzar, y la mesa con los cuadros previos a la debacle del 2001, como si en esas abstracciones geométricas coloridas ya estuviese empujando la catástrofe y los nuevos modos de hacer política, porque no hay mal que por bien no venga y porque “la melancolía no es siempre un mal sentimiento”. Por eso también los platos, con su geometría circular y su connotación alimenticia, espacio también de la calma furiosa de los monocromos. Lo que hay que ver en este cuarto rosa-rojo-coral son las relaciones, los juegos entre los bordes. Porque si en los cincuenta para un artista todo sucedía dentro del cuadro, ahora el artista es el que logra combinar la cantidad elefantiasica de información que recibimos y hacer de ella una tabula rosa y también reinscribirla.
“Muchos bordes”, me dice Mariela. “Muchos bordes” y supongo que se refiere tanto a sus estudiantes borders del taller como a sus experiencias de carpintera de los bastidores de sus propios cuadros. Ir con la pincelada hasta que la tela se acaba y extenderla mediantes pincelazos, preguntarse sobre esos límites que se desplazan, se contraen, se expanden.
¿Y la política? ¡Ah, la política! A no apresurarse. No sabemos por dónde va a aparecer la política, aunque es posible que lo haga por los borders. Ese es la primera consigna: el arte no se apoya en una política sino que busca el lugar en el que se produce. Y no sabemos con exactitud dónde sucederá esto: Mariela está atenta a los mensajes de sus amigos, a su trabajo con los niños, a sus apuntes en las libretas. Sus materiales, su campo de acción, lo constituyen diarios personales, periódicos, e-mails, radio, TV, internet, anotaciones en libretas. No sabemos por dónde aparece la política, puede ser en el “streaming permanente” o en la contemplación del rosa. Ahí están las frases que admiten y provocan diversas lecturas: “que sueñes lindo”, “la tristeza de la tierra”, “primavera árabe”, “Amsterdam / Fiorito”, " “it's the end of the world, as we know it (and we feel fine)”, “de retraso” (se refiere a un vuelo), “mar” (rara inscripción del nombre en la obra). Frases que sacadas de contexto adquieren la ligereza impactante del slogan y el misterio de la metafísica. Frases que no entorpecen los colorados rosáceos sino que los liberan. Homero decía que la aurora tenía “rosáceos dedos” y Mariela Scafati nos descubre en ese liminar (aurora rosa) el anuncio de un mundo que ya no será como el que conocemos. La alegría humana sobrevive.

Gonzalo Aguilar

Los últimos homosexuales

2011-10-23T09:31:00.000-07:00

"Marcel Proust", de Pomarola Talk ( papel recibo de lavadero, con marcador y pintura de uñas)

Publicamos el reportaje que el Suplemento Soy de Página 12 le hace a nuestro amigo Ernesto Meccia, uno de los grandes sociólogos contemporáneos, con motivo de la aparición de su libro "Los últimos homosexuales".
Un compañero y maestro de la sociología le decía a los estudiantes de grado que cuando desde la sociología, los indios escriben sobre indios y los judíos sobre judíos, en la mayoría de los casos resulta en un producto reduccionista. Porque el analista no es ( o no debe ser en tanto sociólogo) el propagandista de los indios o los judíos. Omitía mencionar que cuando hay gran capacidad analítica, ser parte de lo que se analiza produce un encuentro extraordinario del producto intelecual con la vida. De la mejor manera: produciendo conocimiento. Que por supuesto no es hablar bien, ni siquiera de uno mismo como bicho social. Ernesto dice, estoy allí, en las páginas del libro. Y eso, lejos de ser un obstáculo, convierte a su trabajo analítico en una obra compleja y vital.
Página12 suplemento SOY
Viernes, 21 de octubre de 2011

¡Paren el mundo!
La experiencia de la homosexualidad, marcada por la clandestinidad, la solidaridad entre pares y los códigos del erotismo, se desvanece ante la llegada de la cultura gay, tiempo amigable y de reconocimiento de derechos. ¿Qué pasa con las personas que quedan entre un mundo y otro? En su libro Los últimos homosexuales. Sociología de la homosexualidad y la gaycidad (Gran Aldea Editores), Ernesto Meccia propone responder a la pregunta sobre cómo será la vida para los homosexuales el día después de la desaparición de la homosexualidad.
Por Liliana Viola
El último mohicano, El último de los amantes ardientes, Los últimos homosexuales... La palabra último asigna a todos los personajes una combinación de heroísmo y derrota. Entre el último orejón del tarro y la especie en extinción, los que quedan de la serie cargan con una concentración plus de ADN que los convierte, de pronto, en más raros que lo que ya fueron. Por fuerza del destino o por obstinación, son la prueba viviente de que las cosas cambiaron. Los últimos homosexuales, es decir, los representantes de una época sin mojones temporales, larguísima, dominada por la afrenta, ingresan a la era gay, un tiempo que si aún no es perfecto, mantiene una distancia abismal con el pasado de la injuria. Antes de que la experiencia homosexual ya no tenga cuerpos, el libro que acaba de publicar el sociólogo Ernesto Meccia recoge las voces de señores mayores de 45 años “que la vivieron”, “que son del palo”, con el objetivo de dar cuenta de esta transición de la homosexualidad a la gaycidad, las dificultades y las diferentes estrategias para alinearse. Caído el velo de todo lo que tenía códigos pero no nombres, queda en evidencia un entorno encantador y expulsivo, que ofrece restaurantes, publicaciones especializadas, representaciones artísticas, salas de chat, matrimonio igualitario, padres atentos a no meter la pata, pero que además ofrece descuentos a los menores de 25 años en sus saunas y se reserva el derecho de admisión. “Si eso no es un síntoma de las condicionalidades de la sociabilidad gay... –reflexiona Meccia– Porque de algún modo parecería que el precio del reconocimiento es segmentarnos como ocurre en la lógica heterosexual. Creo que es algo que merece ser discutido.”

Ni homenaje a los caídos, ni un réquiem a los yires y a las teteras, aunque se les eche de menos (“¡Cerraron los baños de Constitución que aparecen en Plata quemada en la escena esa de Sbaraglia! ¡Eran 40 mingitorios en hilera, nada que ver con estos nuevos baños llenos de Durlock...!”, se lamenta uno de los que dan su testimonio de este libro). Como tampoco se trata de una condena a esos viejos que no se integran, o que insisten en mantener gestos de homofobia internalizada. Meccia lo advierte ya desde el prólogo: abstenerse quienes esperen un veredicto sobre quién es mejor que quién, y ante la pregunta por una posible nostalgia responde con buenas coartadas: “No creo que sea un trabajo nostálgico, ni tampoco es un retrato estático. Vas a ver que elaboro una tipología de sentires donde podemos encontrar dos extremos de acuerdo a la relación con la gaycidad, desde el más incorporado al más rebelde”.

Efectivamente, el libro propone dividir estos dos últimos siglos en tres períodos: el homosexual, que culmina en 1983 y donde predomina un imaginario de una colectividad sufriente, la etapa del miedo; el período pre gay, que llega hasta mediados de los ’90, donde se empieza a hablar de una colectividad discriminada, la etapa del Gay Power; y finalmente, la era gay, el siglo XXI, donde el lenguaje de los derechos ya no es el de las minorías sino el de los individuos, se disuelve la colectividad, es la etapa de la globalización. Y en el tránsito de esos tres momentos, el autor caracteriza seis tipos de “últimos homosexuales”, de acuerdo con su proximidad con el modo de ser gay: el incorporado, el sensato, el extrañado, el neutralista, el replegado y el contestatario.

“Trato de poner en evidencia los distintos estados de ánimo al día después a la desaparición de la homosexualidad. ¿Qué quiero decir con desaparición de la homosexualidad? Que ya no se puede hablar de homosexualidad como experiencia social. Y si no hay cabida para la nostalgia, sí para una aproximación crítica a la sociedad gay. Por todas partes leo festejos acríticos, indulgencias para con nosotros mismos, un hacer la vista gorda. La vida no tiene final feliz, el conflicto hace al desenvolvimiento de la sociedad. Toda forma de liberación trae aparejadas nuevas formas de opresión, estamos mejor que antes sin dudas, pero detesto la fábula.”

¿Cómo no leer este libro como un trabajo sobre “todas esas locas que se obstinan en el closet y el sufrimiento”, Meccia reacciona categórico: “Rotundamente no. ¿Qué es eso de hacer mal un coming out? En esa sugerencia, que ya me han hecho algunos colegas, está implícita la presuntuosa hipótesis de que ese afamado proceso no pudiera salir mal, como si sus beneficios fueran automáticos. Me parece que verlo de ese modo es otra forma de castigo hacia esas personas que el heterosexismo ya castigó durante años. Y además no entender que no se trata de un enjuiciamiento moral sino un trabajo de escucha de sensibilidades”.

¿Qué significa hacer una sociología de la homosexualidad?
–Hablar de una sociología de la homosexualidad es casi hablar de una sociología sobre una colectividad, trabajar sobre un colectivo humano, en este caso el colectivo homosexual. Un grupo relativamente unificado en torno de ciertas características, algunas reales y otras que son invenciones fantásticas de la sociedad. En este caso, esa relativa unidad se debe a una situación de clandestinidad.

¿Y cuál sería el rasgo que identifica al colectivo homosexual?
–Si estamos hablando de que hay un grupo unificado y que esta unificación se debe a que la sociedad lo clasifica en los escalones más bajos de las categorías sociales, no existe mucha posibilidad de desarrollar estilos de vida, de diferenciación biográfica. Eso significa hablar de homosexualidad.

¿Y la gaycidad?
–Por el contrario, hablar de la gaycidad implica consecuencias a nivel de biografías individuales, la posibilidad de individualizarse, de construir un propio estilo de vida. Ya no se puede hablar de colectivo sino de una categoría social.

¿Cómo llegamos hasta aquí?
–Por el incesante trabajo de las organizaciones sexo-políticas, por un cambio de la sensibilidad contemporánea, que valora cada paso hacia la diversidad. Concomitantemente a ese trabajo de las organizaciones y a esta sensibilidad social que legitima las relaciones entre personas del mismo sexo, está la política de la visibilidad. Va descongelando eso que antes estaba fijo en el espacio social.

Por momentos parecería que le estás encontrando la quinta pata a la visibilidad.
–No, lo que digo es que la visibilidad produjo un lado oscuro, que es la movida comercial. Hoy por hoy, hay procesos de diferenciación social dentro de la gaycidad que pasan por el consumo. Con bastante frecuencia, la capacidad de distinguirnos está relacionado con enclaves de sociabilidad gay distintos. La pauta de sociabilidad de la gaycidad es una pauta de distinción, se establecen distinciones que operan como fronteras simbólicas que ubican en el espacio social distintas clases de gays. Esto contrasta con aquella pauta de homosexualidad, que era una pauta ecuménica, que está presente en los trabajos de Pasolini, Perlongher, Modarelli y Rapisardi.

¿Quiénes son “los últimos” de los que hablás en tu libro?
–Bueno, en el libro hago un recorte muy concreto. Son habitantes de sectores urbanos, de ciudad y provincia de Buenos Aires, que tienen más de 45 años. Trato de elaborar enunciados muy dependientes de tiempos y de lugares. Me concentro en un período que a su vez es un no tiempo y un no lugar. Los años de la experiencia muda. Que no se entrega a decírsela y que no está por fuera de la lógica de lo que no sea el discurso opresivo. Es la época de la colectividad. En este momento, con la aparición de Facebook y todas las tecnologías digitales, se disolvieron aquellas temporalidad y especialidad estáticas. Las tecnologías disolvieron la temporalidad y espacialidad. Esto, a su vez, por fuera de las grandes ciudades, plantea un interrogante. Hasta qué punto estos recursos van o no de la mano con las nuevas sociabilidades. Por ejemplo, a raíz de la publicación de mi libro anterior, La cuestión gay, desde la gobernación de Santiago del Estero me invitaron a dar una charla. En la sala, con toda la publicidad y las tecnologías disponibles, tenía entre el público unas cuantas travestis (que por razones obvias ya son visibles) y unas prostitutas que, como yo iba a hablar de la tolerancia, me hicieron algunas preguntas sobre la relación con la policía. No había ningún gay.

¿Los testimonios que fuiste consiguiendo confirmaron tus hipótesis o además te sorprendieron?
–Me sorprendieron los testimonios. Me sorprendió Antonio, cuando lo primero que me dice es una bravuconada: “Yo no necesité ir a un sauna para ser puto”. Me pareció una respuesta sintomática a las condicionalidades que la sociedad gay te pone. Si antes era meterte en el baño y jugártela a suerte y verdad, ahora hay una serie de condiciones que tenés que cumplir. Me sorprendió también el comentario de Gabriel, sobre la ley de matrimonio igualitario, cuando dice “es algo que la Presidenta dispuso” y que a él le hubiera gustado esperar a que la sociedad hubiera acompañado, que en un punto es provocar a la sociedad. Me parece sintomático el tema de la provocación, que es muy de la era homosexual. Los homosexuales, en términos muy generales, éramos expertos en un saber regulativo de la tensión con el medio ambiente, para no provocar reacciones éramos capaces de hacer ejercicios insoportables para contener las reacciones de la gente.

Ubicás en los ’80, en el regreso de la democracia, el comienzo del cambio. –Me peleo con colegas que dicen que en la época de los baños había resistencia. Y no, lo que había era una pasmosa adaptabilidad. Se gestaban esos medios de sociabilidad segura. Una normalidad que no se cuestiona: si un tipo, en el lugar más sucio del mundo, me guiña un ojo y nos relacionamos a partir de eso, yo ya no me pregunto por nada más. Esta adaptación a contextos de opresión son situaciones. Y también me da un poco de impresión cuando leo historias de la política sexual en Argentina y se habla del Frente de Liberación Homosexual, de un modo ahistórico. Porque por supuesto que fue una experiencia valiosa y revolucionaria en su momento, pero la política referida a la cuestión homosexual es dable a partir de 1983.

¿Por qué?
–Porque no podés hablar de una política de liberación en tanto y en cuanto no hayas construido ese objeto del que te tenés que liberar. Es decir, mientras la homosexualidad no dejara de ser una experiencia muda. Las luchas del Frente, a nivel del impacto social que tuvieron para los damnificados, creo que son incomparables con las otras luchas que estaban acompañando en ese momento. Se enciende el almanaque cuando los homosexuales, a nivel de vida cotidiana, se ven a sí mismos en Clarín, en el programa de mierda de Mirtha Legrand, cuando empiezan a circular en tapas de revistas de la familia. Ahí es cuando entran en la historia. En un principio construidos como una minoría, los que eran del palo, se construyó la opresión. Y cuando decís “una minoría”, estás diciendo que son tantos, que tienen tales características, que les suceden tales cosas, tenés que argüir una diferenciación de política identitaria.

La minoría tampoco es la misma ya...
–Ahora no tiene buena prensa el tema de lo minoritario porque te hace pensar en una especie de raza, de estirpe, algo muy concreto en el mapa social. Hoy por hoy, convicción teñida de lecturas ideológicas mías, la condición socioeconómica de gays y lesbianas permite tramitar cierta disolución del lenguaje de la minoría. La pertenencia económico-social abre puerta con relativa independencia.

Y la aparición de familias homoparentales en el panorama de los reclamos, ¿cómo la leés?
–Yo ahí sinceramente sigo viendo actos de resistencia para defender la legitimidad de vinculaciones que no son espejo de las familiares predominantes. Un acto de pararse para defender algo... Hay que bancárselo.

En este libro, que es un libro académico, escrito por un sociólogo, aparecen marcas de tu primera persona. Por momentos parece que también estás hablando de vos. ¿Puede ser? ¿Hablás de vos?
–Sí, buscame en algunas de esas páginas, que me vas a encontrar. Yo estoy adentro.

MELERO Y LOS FANTASMAS DEL MUNDO OBRERO

2011-08-22T12:18:00.000-07:00

Melero con los fantasmas del mundo obrero

Atrás del Parque la zona de Parque Patricios tiene todavía, luego del proceso de desindustrialización, inmensos galpones. Algunos son depósitos de importaciones y otros quizás albergan algún resistente establecimiento industrial. A la vuelta del barrio autoconstruído que el MTL organizó con desocupados de distintas zonas y que fue diseñado por prestigiosos arquitectos (y allí la radio Sur conducida por los compañeros de El Andamio de la Facultad de Ciencias Sociales), está el edificio de lo que hace más de treinta años fue la fábrica Bruno y Cia, productora de Amianto, gomas y afines. No fue necesario esperar a las disputas que el reducido mundo trabajador de occidente entabló en relación con los peligros de los productos que contuvieran asbesto como el amianto, para cerrar la fábrica. La política económica de la dictadura promotora del Terrorismo de Estado comenzó a vaciar fábricas antes de los años noventa.
En ese barrio, entre el parque y Amancio Alcorta, las madrugadas se poblaban de obreros que iban temprano a su trabajo, hasta los primeros años setentas. “A las cinco de la mañana, había por estas cuadras más gente que un domingo en la calle Florida”, dice un viejo vecino. “Claro todos vestidos de mameluco” Y allí había una continuidad. Los obreros caminaban esas calles desde principios del siglo XX. En alguna vieja fonda se celebró con un brindis el acto vindicatorio de Simón Radowitzxky; y el entero barrrio se conmovió en el trágico enero del año 19, El 17 de octubre se vivió como una fiesta popular como todas las movilizaciones del primer peronismo y en esa época la población creció y la alegría popular inundó esas calles empedradas. Hasta los primeros años setentas las asambleas obreras expresaron un proceso de radicalización quebrado violentamente por el terrorismo de estado.
Esos fantasmas construidos con maximalismo libertario, la rebeldía y la celebración peronista, el sufrimiento, las luchas y un lazo social fuerte, caminan hoy por las calles del barrio y su herencia concreta quizás está hoy en las luchas de los desocupados, hecha barrio digno. Quedan los restos de una potente cultura obrera. Sobre esos restos y acompañado de esos poderosos fantasmas es que Diego Melero realizó su performance en la ex fábrica Bruno y CIA, productora de amianto, convertida hoy en un centro cultural. Quiebra, unión obrera metalúrgica y amianto en Parque Patricios es el título de esa performance.
Horacio torres fue coordinador de este proyecto y sus buenos resultados no son independientes de que ya en otras oportunidades este artista, curador y director de museo, había curado obras de Diego Melero.
La ley de quiebras es la división que arma la performance de Diego melero convertido en un representante de la Unión Obrera Metalúrgica. Y es aquí que la obra de Melero adquiere la forma de paradoja construyendo un objeto que problematiza la historia argentina, o, si se quiere, una parte dramática de la historia de los trabajadores en Argentina. La primera parte de la performance se desarrolla en un entrepiso de la fábrica que desde el galpón donde estábamos los espectadores se veía a través de tres grandes ventanales de vidrios cuadriculados que estaban densamente empañados. Veíamos la sombra de Melero y escuchábamos su voz. La sombra hablaba de la cesación de pagos, el concurso, la hipoteca, y escribía en los vidrios empañados esas palabras que eran dibujadas al revés desde atrás de esa improvisada pizarra de vidrio para que quienes estábamos abajo pudiésemos leer correctamente. La sombra nos cuenta desde otro momento una historia que se hace difícil de convertir en un relato legible. Algo percibimos, pero, como siempre, solo algo, aunque las voces que sufrieron el derrumbamiento de una cultura obrera gesticulan y tratan de llamar la atención sobre lo que fue el final de una forma de vida. Esa sombra se movía de uno a otro ventanal escribiendo y hablando y nos decía muchas cosas de lo que provocó la Ley de Concurso y de Quiebras, la 24 522, como dicen los abogados. Esa es quizás la línea jurídica y simbólica que divide dos momentos. Pero, es verdad no todo se esfuma hay obreros y hay nuevas luchas. Las instituciones sindicales actúan sobre un mundo que entre otras cosas les ha sacado miles y miles de obreros y con ello parte importante de su fuerza política y cultural. Un gesto de la UOM en los años cincuenta, sesenta y primeros setentas era escuchado con atención por distintos sectores de la sociedad, por factores de poder y el gobierno que fuera. La UOM le hizo un célebre paro al primer peronismo en la primera mitad de los años cincuenta. Hoy la UOM es un sindicato importante, pero en una población que ha perdido miles y miles de puesto de trabajo industrial. Hoy la UOM no “para” el país. En las décadas mencionadas antes si podía hacerlo. Sin embargo, ahí está el viejo sindicato y algunas franjas de obreros como sus representados. Lo que es verdad es que la cultura sindical aprendida por sus dirigentes en otras épocas sirve para negociar, pero para negociar en retirada.
Por eso en la obra de Melero la lucha contra el amianto que contiene asbesto que produce cáncer de pulmón es una lucha justa que resulta extemporánea. Y allí es que baja Melero al primer piso y se lo ve ya no como sombra, sino como ser humano que se calza el casco amarillo y se enfrenta a los que éramos su público. La sombra era la voz confusa de la historia, el hombre de casco amarillo es el mundo presente con actores desacomodados. La lucha que escenifica el artista Melero es la lucha que debía haber ocurrido en los años noventas cuando se comenzó a debatir sobre el amianto como productor de cáncer de pulmón. En esos años las leyes laborales habían arrasado con los derechos de los trabajadores y antes el proceso de desindustrialización había provocado el cierre de esta misma fábrica convertida ahora en centro cultural. Hay momentos en los que el pasado no termina de morir, aunque el escenario sea claramente otro y lo que puede ser nuevo no queda plenamente configurado. En esos momentos se actúa con conocimiento de receta. Se habla del asbesto a los fantasmas de obreros que probablemente hayan muerto de cáncer sin poder atribuir esa enfermedad a sus condiciones de trabajo. Y se recuerdan las grandes luchas obreras desde un discurso peronista, se recuerda la semana trágica y el 17 de octubre, se canta la marcha peronista y los obreros ya no están en Bruno y CIA y en decenas de otras fábricas de amianto. Esos lugares que los enfermaban les permitían también a algunos soñar con un mínimo mundo mejor producto de esa integración y seguridad laboral y a otros soñar con enteros nuevos mundos. Pero ese discurso fantasmático aquí como elemento potente de una obra de arte sea quizás no solo la ironía sobre los gestos extemporáneos, sino también las formas en que se condensan en un trato mano a mano, igualitario, alejado de las maneras pomposas y grandielocuentes, los núcleos significativos que permiten la reinvención de una tradición ligada a las posibilidades de la emancipación humana.
Es arte político el arte de Melero, no porque prometa algo a futuro o porque parta de un modelo preconcebido que es necesario alcanzar, lo es porque cuestiona lo dado, problematiza lo cercano, desacomoda.
LR

Presentación del libro "01 10 Creatividad, economía y cultura en Buenos Aires"

2011-06-24T10:12:00.000-07:00

La presentación del libro compilado por Paulita y Lucas se realizó en la sala Abuelas de Plaza de Mayo del Centro Rojas de la UBA. Adelante de la sala había una muestra en el mismo horario que era de nuestro amigo Fernando Goin. Aprovechamos y los organizadores de la presentación del libro promovieron el intercambio con el vino del libro y el fernet de la muestra. había mucha gente entre ello los autores del libro que están todos en las fotos. Casi todos porque Diego Vecino no pudo venir y entonces Pomarola fotografió a un flaco de barba que bien podría pasar por él. Entre todas los autores sobresalieron dos que escriben juntos y se llaman igual Martín y Martina, un verdadero dúo dinámico. Entre los invitados estaban Susana, Erica y Pancho, además de nuestro amigo Bernardo. Bernardo le explicó a Sonia que es del Quebec que el peronismo es quebecuá y que los del quebec, entonces son peronistas. Recordó que cuando llegó Degaulle que pronunciaría la frase "viva el quebec libre", los militantes peronistas habían elaborado una consigna en francés: "Degaulle y Perón Troisieme position" . Una de las autoras principales, Paulita tuvo la siempre grata compañía de Maya,la economista, su única amiga, que nunca falla. Maya fue un aporte fundamental en la post presentación cuando hubo que hacer las cuentas y demostró, en medio de una cantidad incontable de doctores, que las operaciones básicas no salían con facilidad y debió asumir un papel manolítico para el que obviamente estaba sobrecalificada.

En la presentación contamos con el aporte valioso de nuestros amigos Gabriel y Claudio quienes aportaron polémicamente a que la presentación fuese un ritual efectivamente intelectual

Performance de Blanca Rizzo en el Obelisco

2011-06-24T09:57:00.000-07:00

El domingo anterior a partir de las 14s, en la plaza del Obelisco la artista Blanca Rizzo, amiga de sociocontraataca construyó una experiencia decididamente singular. Un muchacho vestido como un elegante camarero interceptaba a los paseantes en el día cubiero de niebla y les hacía una oferta que era un regalo singular. Se les proponía una danza a la carta. Las personas elegían un tema de una carta y Blanca danzaba para esa persona cada uno, con un auricular, la artista y el privilegiado espectador y escucha. Solo escuchaban ellos. A un costado los ocasionales paseantes, los amigos de lo que fue El Entre y este cronista disfrutaban de la elegancia y vitalidad de Blanca que danzaba acompañada por una melodía que no escuchábamos.

Seminario experimental de Diego Melero en Sociales

2011-06-24T09:36:00.001-07:00

El jueves anterior fue la ultima de las cuatro reuniones del Seminario Experimental dictado por Diego Melero en la sede de la Facultad de Ciencias Sociales, en la Carrera de Sociología. Ya hace cuatro años que Diego viene implementando esta experiencia realmente singular. Por el seminario han pasado muy distintas y relevantes figuras del arte contemporáneo argentino y se han abordado cuestiones centrales para pensar la relación arte-sociedad. En esta oportunidad estuvieron los hermanos Alemian, Fernando Goin, Frank Paredes, Daniel Kurij, Lucas Rubinich, Pomarola Talk, Lux Linder, la curadora, galerista y verdadera armadora cultural Pelusa Borwitk.

Poesía, performance, dibujo, mundo editorial alternativo, obras en múltiples soportes, curaduría, gestión cultural nacional e internacional, en fin, en el seminario de Diego Melero se producen encuentros mágicos entre agentes de distintas zonas del mundo del arte que no es habitual encontrar reflexionando en un espacio común.

El Remate

2011-05-30T09:15:00.000-07:00

“¡Porque sigue dando criollos,
Muy lindos criollos, el tiempo!”

Yamandú Rodriguez, “El remate”

El domingo 22 de mayo un día después de su apertura, el stand de la Galería De’ll Pete realizó un remate que ya en sus anuncios vía mail prometía un hecho, en principio poco común en estas ferias de arte: rematar obras de artistas (“los mejores artistas vivos de la feria) con base única de 200$. El Flyer enviado por correo electrónico explicaba que el stand de galería De’llPete era el 101 y a pie de página se veía el auspicio: se trataba de ACAVA (Asociación de críticos de artes visuales de argentina). La llegada de dos miembros de sociología contraataca con la intención de participar en el evento mencionado se encontraba con algunos obstáculos quizás propios de la organización de ARTEBA. Las encargadas de informes en la entrada del pabellón tenían dificultad para encontrar el stand de De’llPete. ¿Del Prete podrá ser?, preguntó amablemente una de las encargadas de informe, “porque De’ll Pette como vos decís no está en la lista”, y volvió a mirar con algún asombro el mapa de la feria en el que no encontraba la respuesta a mi pregunta En ese mismo momento llegó Roberto Jacoby a saludarnos. El era el alentador de esta galería nueva, pujante y quizás efímera. Le aclaramos a la informadora que Roberto era el dueño-artista de la galería y ella se sintió desconcertada a la vez que amable y risueña mientras Roberto marcaba en el mapa el lugar: Acá, dijo, el 101.

No encaminamos al stand 101 y efectivamente vimos el cartelito que indicaba “De’ll Pete” y abajo se aclaraba la nacionalidad de la galería: Italia. El espacio del stand resultó ser muy pequeño, casi un baúl de los stands vecinos. Allí adentro estaban guardadas las obras que se rematarían. Faltaban 15 minutos y Jacoby fue a buscar algo así como un mostrador, una mesa, o algo que sirviese para hacer caer el martillo en el remate. Volvió un tanto transpirado por el esfuerzo arrastrando un tambor o tubo con tapas de metal y un martillo común de clavar clavos. Se instaló en el pasillo frente a la puerta pequeña del stand de De’ll Pete y comenzó a convocar al remate con el martillo en su mano derecha: “Los mejores artistas vivos de la feria” decía, y además: “En las galerías van a pagar estas obras 800 pesos o más. Acá salen a 200”. Y comenzó con una pequeña obra en papel del ganador del premio en ARTEBA Carlos Herrea. “Carlos Herrera, ganador del premio Petrobras de Arteba. Quién da 200 pesos?”. Levantaba la pequeña obra y la gente que se había detenido en el lugar no terminaba de entender qué pasaba. Insistía el rematador sosteniendo la obra en alto y a veces revoleando el martillo: ¿“Nadie quiere dar 200 pesos por el ganador de Petrobrás”? y entonces comenzó a bajar el precio con el acuerdo del artista. Y llegó al límite: ”¿ Nadie quiere en 14 pesos la obra del ganador del premio de este Arteba?” Mariela Sacafati con cara de “no puede ser que nadie compre esto a este precio” levantó la mano y Roberto Jacoby bajó el martillo: “Vendido a Mariela Scafati en 14 pesos”. Siguió el remate: “Obra de Virginia Negri artista rosarina, feminista, alternativa, etc.” Y no se vendía. Luego vinieron dos obras de Diego Melero. “¿Nadie compra a Diego Melero?”, decía Jacoby. “En cinco años Melero va a valer una enormidad, es un gran artista” No había respuestas. Mariela Sacafati, la gran compradora del remate, dijo “la compro”, y dirigiéndose al artista le solicitó si podía pagar los 200 pesos en cuotas a lo que Diego Melero accedió con placer de que su obra quedase en manos amigas y de artista.

Otra obra de Melero, luego de las reiteradas interpelaciones al público que miraba y no se animaba. En realidad parecían no conocer a los artistas prestigiosos cuyas obras estaban siendo vendidas con una base de 200 pesos. Al fin levantó la mano Maxi Jacoby, curador del Centro cultural Ricardo Rojas y se llevó el otro Melero. El artista Dudú presentaba en el remate una serie de cinco forografías. Primero se intentó vender la primera serie de tres y luego el rematador Roberto ante una sugerencia el artista propuso todas las fotos por la misma base. Había llegado el lugar el coleccionista de arte contemporáneo Iconikof a quienes todos los que lo conocían miraron de manera expectante. Sobre todo los artistas. Iconikof dijo: Sí, compro todas a 200 pesos”, y fue su única intervención. Varias otras obras fueron ofertadas y algunas no se vendieron. Compró también la artista Florencia Cabeza, y sociocontraataca adquirió (adquirimos) una obra de Vicente Grondona que consiste en dibujos en negro en un sobre de papel madera de ambos lados.

“Marrone: Artista de bienales internacionales, residente en Barcelona. Marrone vale mucho más. Sus obras se venden por lo menos en dos mil dólares”, decía Jacoby mirando con firmeza al público que se congregaba en torno al hecho que estaba ocurriendo en la puerta del stand de De’ll Pete. Apareció el comprador del Marrone por el precio de base y se vendió.

“Lux Linder, quién no compra por apenas 200 pesos un Linder. Vale más”, dijo Jacoby y subió a 220, alguien ofertó 230 y el rematador comprador intervino subiendo más 240. Nadie intervino y el rematador dijo: “Me la quedo yo para mi colección privada”. Luego acercó a la mesa de remate una inmensa caja de cartón que habría albergado obras y comenzó a sacar una serie de papeles y etiquetas hasta que quedaron solamente dos en las que se leía FRÄGIL. "Esta es una obra de Roberto Jacoby" decía el rematador jacoby."Se llama Frágil.El artista está exponiendo actualmente en el Reina Sofía. Doscientos pesos ¿Quién oferta?" Desconcierto, sonrisas y ausencia de ofertas.

“Tenemos que terminar porque ahora a las 20hs se hace la performance de Mariela en Barrio Joven”, anunciaba el rematador, quien tenía todavía obras en las manos y continuaba ofertando. Apareció Marta Minujin en el final del remate. Saludó a Jacoby y éste le dijo:
- Comprá estas obras de artistas jóvenes con base de 200 pesos...
Marta Minujín respondió mientras se iba rápidamente:
-Yo no compro arte. A mi me regalan.

Pomarola Talk y Patricio Dean

Mariela Scafati y el "Kamishibai de campaña" en ARTEBA

2011-05-27T14:52:00.001-07:00

Video del Kamishibai de campaña

http://www.youtube.com/watch?v=-V2Gdpb5CKY&feature=player_embedded

¿Hubo arte político en ARTEBA?: Sí, acá

Cómo se hace arte político directo sin ser fagocitado por el discurso político, como se hace arte panfletario, directo, potente, sin que eso sea un simple y, por supuesto, legítimo panfleto político que, obviamente no es arte político. Como producir un objeto que a la vez de intervenir decididamente contra una posición defendiendo otra en un espacio determinado, no sea, en la síntesis, la condensación, mediados por algunos elementos artísticos, de los sentidos comunes descalificatorios de la posición enfrentada. Cuando es así, ni los adherentes ni adversarios de esa posición se sorprenden, actúen como actúen en función de esa intervención.

La artista Mariela Scafati el domingo 22 de mayo en el sector barrio joven de la feria de arte ARTEBA realizó una experiencia en la que se puede encontrar una respuesta imaginativa a las preguntas planteadas. Acompañada por la artista visual Florencia cabeza y por la guitarrista de Orquesta Roja, Lola Granillo, realizó una performance a la que llamó “Kamishibai de campaña” valiéndose de los recursos del viejo teatrote papel ambulante japonés

Dicen que el kamishibai o teatro de papel o quizás más literalmente drama de papel parece poder encontrarse por el siglo XII en Japón y revivido fuertemente en la primera parte del siglo XX-. Los gaito kamishibai eran andantes que establecían sus pequeños teatritos y relataban historias que iban siendo acompañadas por ilustraciones en papel que cambiaban en la pequeña pantalla en función de esa historia. En esa pequeña pantalla delineada por un marco de madera que no es mucho más grande que una carpeta oficio, Mariela comenzó su tarea de gaito kamnishibai argentina interviniendo en el debate de campaña por la elección del jefe de gobierno de la ciudad. La artista no hablaba, simplemente pasaban las láminas de papel que en principio no contenían imágenes. Colores, pura pantalla de color que cambiaba. Cuando llega al amarillo, Mariela saca ese papel y lo entrega a Florencia que esta parada muy seria, detrás de una mesa que alberga a un aparato destructor de papel que se usa en las oficinas. Florencia lo rompe en partes y lo introduce en el aparato y el “relato de colores” continúa hasta que llega otro amarillo, en este caso con algún símbolo pequeño que identifica al partido del actual jefe de gobierno. En ese momento se repite la misma ceremonia que se realiza con alguna ostentación. Distintas etapas en las que por fin aparecerán frases que ya claramente no dejan dudas sobre esa identidad que está siendo enviada al destructor de papeles. Sin encuesta, pero con sensibilidad sociológica sostenida en las vivencias por estos mundos en esta ciudad, es posible imaginar que entre el público de esa feria hay un porcentaje importante de votantes del partido que actualmente está en el gobierno de la ciudad. Ese partido se relaciona con sus votantes y potenciales votantes con pocos argumentos y mucha performance de sentido común: alegría exigida de fiesta animada por profesionales, algunos globos y frases de sentido común. Por supuesto, también hay propuestas concretas, pero hay un discurso superficial sobre la nueva política, la no confrontación y la buena onda. El partido que censuró a un candidato a la secretaría de cultura por gay, tiene no obstante, un discurso central por la nueva política y por la no confrontación y una recurrente preentación en clima de fiesta y buena onda..

En ese espacio donde hay un alto porcentaje de votantes del PRO, Mariela Scafatti construyó un objeto performático bajo formas artísticas no convencionales de alta confrontación. Los objetos estéticos de intervención directa no andan con vueltas y este no anduvo con vueltas. Para decirlo también sin vueltas, fue agresivo en el sentido vital que tiene la agresividad simbólica en la lucha política. El relato del Kamishibai de campaña era explícitamente "no sos bienvenido",“no queremos ese partido ni a sus políticas, decididamente los rechazamos y se lo hacemos saber al mundo”. Claro, el objeto, por decirlo rápido, tenía algo de angelical. La guiarrista con un look fifty’s rasgueaba una melodía que se tornaba creadora de suspenso en los momentos de destrucción de los papeles, Mariela con su vestimenta singular, centelleante, pensada por una artista, pasaba las láminas con su natural onda de amabilidad y decisión, Florencia, en todo caso era el ángel malo. Pero se trataba de tres chicas que no son las clásicas militantes políticas; que eran parte de ese mundo naturalmente, con la posibilidad de ser singular que otorga el ambiente, y que se valieron de un recurso artístico no convencional para hacer arte, arte político, e implicar y quizás confrontar con una parte del público y seguramente con un clima de ARTEBA. Que haya sido un objeto artístico el que se construyó, que no sea la simple mimetización con el discurso político, le dio a esa experiencia, en ese lugar, algo de lo que algunas acciones políticas carecen: fuerza política.
LR

Video de la muestra "Kurt Wilckens and Baby Jane" de Pomarola Talk en Sociologia

2011-05-26T16:42:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=KifxBWLNpUY

Muestra "Kurt Wilckens and Baby Jane" de Pomarola Talk.

La muestra se realizó el día Jueves 5 de mayo de 17 a 19 en el aula 512 del 5º piso de la Facultad de Ciencias Sociales en Marcelo T. de Alvear 2230 durante las dos horas de la clase teórica de la cátedra Sociología General, de la Carrera de Sociología de la UBA dictada por Lucas Rubinich.
Fue documentada en video por el joven realizador de TV cultural Lucas Rubinich III.

Pomarola talk (1963) es una artista que realiza obras en cartones desarmados de envases de productos masivos, en papeles pequeños que encuentra en el andar cotidiano y utiliza, además de témpera óleo y acrílico, simples marcadores, lápices y esmaltes baratos para uñas. Pomarola es relativamente autodidacta, aunque pasó un par de años hace casi dos décadas por la carrera de letras; en los últimos tiempos estudió pintura con Dante Saganías, serigrafía con Mariela Scafatti, concurrió a la clínica de Fabián Burgos y desde el año anterior asiste a la clínica de Daniel Joglar. Participó de la muestra colectiva "El encantamiento de los apuntes,"realizada en 2009 en la cátedra de Sociología General, en la Carrera de Sociología en la muestra colectiva en Mapa Líquido curada por Mariela Scafatti y Marina Decaro. En la reciente marcha del orgullo realizó una performance que consistió en repartir junto a unos compañeros una estampita. La estampita es la fotocopia de su obra el cristo travesti que consiste en un pequeño dibujo a lápiz con letras doradas hecho sobre una también pequeña hoja de libreta blanca.

La cancion es "Não Chore Mais (No Woman, No Cry)" que forma parte del disco tributo a Bob Marley de Gilberto Gil intitulado "Kaya N'gan Daya" del año 2002

Fiesta en Socio General: muestra de Pomarola

2011-05-08T17:51:00.000-07:00

Estuvimos en la muestra de Pomarola Talk que presentamos en el anterior artículo de Sociocontraataca. Todo empezó a las 17hs. que es el horario de la clase teórica que dicta Lucas en la cátedra Sociología General. Allí los estudiantes colaboraron con Pomarola, Meligold y Lucas que no habían terminado de acomodar las cinco pantallas de tela blanca donde se colgarían (pegarían)las obras de Pomarola. Las paredes eran los suficientemente resistentes como para resistir los clavos que habían traído los trabajadores de la facultad. Uno de ellos, el que trajo la escalera, le dijo a Lucas que él apoyaba " todas estas cosas que hacen, porque es bueno que haya arte en la facultad". Con buena voluntad de los estudiantes y todo no se pudo con la pared, así que se optó por colgarlos de unas salientes de la ventana, del pizarrón, y otra, con uno de los clavos en la escalera de madera. Mientras se armaba la muestra se escuchaba desde el equipo de sonido la música electrónica de Matthew Herbert. Un estudiante preguntó, en broma, donde vendían las entradas. A un costado, una mesa cubierta con un mantel blanco albergaba unas cuantas botellas de vino y vasitos cancheros anunciando, como prometían los folletos y los mails de invitación, que al final se tomarían unas copas. Cuando comenzó la clase algunos estaban mirando las obras y llegaban los invitados, el hombre del cine documental Guillermo de Carli, la profesora de Ciencia política Marina Farinettí, los artistas Dante Saganías, Santiago Villanueva y Diego Bugallo, el fotógrafo artista francés y muy porteño Nicolás Bohler y otros amigos de Pomarola y de Lucas. Lucas hablaba en esta clase de la construcción del objeto científico y del objeto artístico. El otro Lucas, Lucas III, filmaba el evento con el objetivo de armar un videclip. Serían casi las 18,20hs y lucas finalizó la clase agradeciendo a Pomarola e invitando a todos a mirar la muestra y a tomar vino. Hubo un aplauso y todos se levantaron a mirar la obra con su copa en la mano y a charlar con la artista que contestaba mil y una preguntas con buena onda y alegría. Se escuchaba ahora con fuerza La Internacional cantada en francés y había clima de fiesta. Luego de las 19hs. habían llegado estudiantes del curso posterior que también se integraban a la muestra. Luego de 15 minutos más todos ayudamos a levantar las pantallas y a acomodar lo que se había desacomodado antes de que comience la otra clase. Lucas había dicho al final que estas invitaciones a la que los artistas respondían con toda la buena onda, contribuían a armar comunidad y y a rearmar relaciones de la universidad con zonas del mundo del arte. No sé si no es un poco exagerado, simplemente ocurrió que en un lugar de conocimiento se desarrolló un evento que con alegría relaciona el arte y la universidad muy vitalmente. No sé que es eso, pero, me basta.
Patricio Dean

Muestra de Pomarola Talk ( Kurt Wilckens and Baby Jane) en el teórico de Socio General

2011-05-01T19:32:00.000-07:00

Jueves 5 de mayo, 17 a 19hs, Aula 512 Marcelo t de Alvear 2230
Como acostumbramos todos los cuatrimestres, la cátedra Sociología General ( Rubinich), de la Carrera de Sociología ( F. C.S. UBA), invita a los artistas a encantar los apuntes con sus obras y además a relalizar una muestra efímera un día del dictado de teórico. La muestra consiste en las obras dispuestas en el aula en la que Lucas dicta el teórico. La clase se desarrolla más o menos normalmente con presencia de invitados, la artista que muestra, los estudiantes, profesores amigos y todo el que quiera entrar. Luego de una hora y cuarto, se toma algo ( quizás vino) para celebrar el evento y se puede mirar la muestra más tranquilamente durante media hora cuarenta y cinco minutos.
Están todos invitados

"Kurt Wilckens and Baby Jane"

Pomarola Talk

Muestra: jueves 5 de mayo 17 a 19hs.

Facultad de Ciencias Sociales
Marcelo T de Alvear 2230
Aula 512

Cátedra Sociología General/ Colectivo Sociología Contraataca

"Pomarola Talk ha construido un objeto estético que se localiza a primera vista como unas brillantes muñequitas, posando en una escenografía multicolor en las que, además, hay frases que remiten a tradiciones románticas puras, también a racionalismos románticos y a elementos cotidianos diversos que atraviesan, a veces dramáticamente, el cotidiano de la mujer. Objetos condensadores de los complejos fluires de la vida social desde la perspectiva de la dominación de género.

Una construcción estética en la que hay elementos complejos y contradictorios de un mundo de mujer urbana, que se entrecruzan y se enredan, se molestan y se potencian. Los colores, en algún sentido las formas, y sin lugar a dudas, los materiales, dicen algo de un mundo cotidiano de la niñez femenina constitutivo de identidades y a la vez también de la pequeña porción de extraordinario que hay en ese cotidiano.

Claro, aquí con algunos signos que desde lo trivial cotidiano remiten a zonas activas de la historia reciente del arte contemporáneo Los brillos, los colores de marcador y de esmalte barato para uñas, producen una sensación de alegría suburbana, de fiesta de quince años de una chica de barrio en Lanús que imaginó esos colores y formas soñando mundos de salones de revista Gente, de Hilton’s lejanos de telenovela colombiana.

Pero también, del mundo de la rubia nieta de inmigrantes que vive en el barrio norte de Buenos Aires y que sueña hacer el recorrido del North land a una corte europea; como en los cuentos, llegar desde un mundo plebeyo a princesa. Esos brillos y las formas están allí, en sueños. Y en los locales del barrio del Once, o en el shopping de Miami adonde se llega para comprar el cotillón o alguna ropa para la fiesta, se hacen realidad. Como se hacen realidad cada sábado a la noche."
(de la crítica de Lucas Rubinich)

Serie Kurt Wilckens and Baby Jane, Pomarola Talk

Obras en papelitos comunes y diferentes de tamaño aproximados 14 x 11 cm. Realizados con birome, marcador, lápiz, témpera, esmaltes para uñas, etc.

Pomarola talk (1963) es una artista que realiza obras en cartones desarmados de envases de productos masivos, en papeles pequeños que encuentra en el andar cotidiano y utiliza, además de témpera óleo y acrílico, simples marcadores, lápices y esmaltes baratos para uñas. Pomarola es relativamente autodidacta, aunque pasó un par de años hace casi dos décadas por la carrera de letras; en los últimos tiempos estudió pintura con Dante Saganías, serigrafía con Mariela Scafatti, concurrió a la clínica de Fabián Burgos y desde el año anterior asiste a la clínica de Daniel Joglar. Participó de la muestra colectiva “El encantamiento de los apuntes,”realizada en 2009 en la cátedra de Sociología General, en la Carrera de Sociología en la muestra colectiva en Mapa Líquido curada por Mariela Scafatti y Marina Decaro. En la reciente marcha del orgullo realizó una performance que consistió en repartir junto a unos compañeros una estampita. La estampita es la fotocopia de su obra el cristo travesti que consiste en un pequeño dibujo a lápiz con letras doradas hecho sobre una también pequeña hoja de libreta blanca.

Patricio Dean
Curador

Contextualización en movimiento: Diego melero en La Paternal

2011-04-30T07:09:00.000-07:00

CONTEXTUALIZACIÓN e n m o v i m i e n t o / 2 0 1 1

A poco de la primera elección por Comunas de la ciudad,nos encontraremos en avenida San Martín y Juan B. Justo, límite entre las comunas 15 - 11 - 6, para adentrarnos en el barrio de La Paternal (15)con sus instituciones de origen cooperativo, socialista, comunista.

Una caminata de señalamiento por el barrio de La Paternal
Guiados x Diego Melero

sábado 30 de abril de 16 a 17:15 hs (salimos puntual)
Lugar de encuentro: Av. San Martín y Av Juan B. Justo (esq Torino Norte)

colectivos 24 34 44 57 105 109 110 135 146 166

dreyfusdiana@gmail.com 4584-7814 15 50 14 02 08

Teatro breve en "La Libre": obras de Gustavo Moscona y Emma Yorio

2011-04-29T07:49:00.000-07:00

"El Rojo carne, una pasión argenta"
de Gustavo Moscona

"Las lagartijas"
de Emma Yorio.

Sábado 30 de abril
Librería La Libre
Bolivar 646 a las 19.30 hs.

RADIO REA. ON LINE martes y jueves

2011-04-27T13:45:00.000-07:00

Los martes de las 22 hasta las 23hs. "Ni víctimas ni verdugos" el programa producido por Pomarola talk, con Pancho Langieri y Lucas Rubinich. Además la colaboración eventual de Patricio dean y Geraldina Dean desde distintos lugares del mundo; Amanecer, desde Puente Alsina; Shafik Assal, desde París; y Simón, desde Vladivostok.

Jueves desde las 5 ana no duerme con sus invitados y la musica, a las 20 Huesped y a las 21.30 Jamon Crudo.

Entrá aquí y escuchá la REA http://www.realaradio.com.ar/

Audiopoéticas de Juan Anselmo Leguizamón

2011-04-25T08:02:00.000-07:00

El poeta santiagueño y amigo, Juan Anselmo Leguizamón ha publicado en la web sus audiopoéticas. Poesía en mp3. La podemos bajar y llevar para casa

http://soundcloud.com/jal-nueve-mil

Hace cuarenta y algunos años un par de artistas habían presentado audios de poesías en "cinta magnética" y eso generó unas desconfianzas de las que daba cuenta Oscar Masotta

“Hace poco cuando Costa y Jacoby presentaron ‘obras literarias’ en cintas magnéticas, se vio cómo ciertas conciencias reaccionaban con disgusto. Sobre todo, ¡porqué llamarlas ‘obras literarias’!. Es que la idea de obra de arte es sentida como inseparable de su medio material, natural y regular de expresión. La literatura está así dentro de los libros ¡Y no habrá arte del futuro por fuera de esas conexiones!
Pero si la conexión entre la obra y su vehículo ‘natural¡ es sentida como portadora de un valor esencial, es que ese valor es el continuo del discurso estético. Hay sin duda diferencia entre perturbar los niveles interiores a la obra y postular la posibilidad de la obra al nivel de otros sustratos materiales, como lo hace Jacoby , en lo que llama un ‘arte de los medios de información’. Pero hay al mismo tiempo una semejanza, al menos al nivel del rechazo de la crítica regular. Detrás de ese rechazo, como dice Barthes, hay que buscar ‘eso que ha sido herido’. Y lo que ha sido herido aquí es la idea de la reacción natural que debería existir entre la idea de ‘obra’ y el número predeterminado de sus posibles vehículos materiales- ”
P 248
Masotta, Oscar 2004: Revolución en el arte, Edhasa, Barcelona
El original es
1967: ( comp..) Happenings, Buenos Aires, Jorge Alvarez.

Más raro que Jacoby en un museo

2011-03-02T06:23:00.000-08:00

Nuestro amigo y referente indudable de las zonas más dinámicas de la cultura argentina, Roberto Jacoby, está mostrando indicadores de lo que es su obra (un fluir vital y quizás a veces inapresable fuera de su momento) en un museo. Y allí están esos indicadores, pero sobre todo está el artista, hablando, gesticulando, organizando, promoviendo, habilitando. Siempre en grupo. Mezclando géneros, legitimando zonas "menores"del arte, politizando. A nuestro amigo nunca lo van a encerrar en un museo. Encontrar una manera de construir un relato sobre esta experiencia es algo en lo que imaginativamente participó Ana Longoni. Y es imprescindible para reinventar la tradición de las vanguardias en el mundo De este paso por el reina Sofía está el obvio reconocimiento internacional, pero sobre todo el andar vital del artista que no bajó las banderas luego del derrumbe, que inventó estrategias para reconstituir los lazos sociales imprescindibles para sostener una voz problematizadora, para seguir peleando. Porque al fin y al cabo, en este caso si se hace realidad vital la frase concepto del maestro intelectual del artista, Lito Marín, cuado sostiene que El deseo nace del derrumbe.

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Se escribieron notas en los diarios y nuestro compañero Syd que pàrticipó de la experiencia del reina Sofía, armó el blog al que se accede por este link

http://eldeseonacedelderrumbe.tumblr.com/

artículo de Ricardo Piglia en Radar

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-6841-2011-02-20.html

artículo de Lucas Rubinich en Apuntes

http://apuntescecyp.com.ar/index.php/apuntes/article/view/66/60

artículo de Ana Longoni

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/6-2090-2011-03-01.html

Entrevista a R Piglia sobre Roberto Jacoby

http://vimeo.com/20673943

Performance "Cristo Travesti", de Pomarola Talk, en la marcha del Orgullo 2010

2010-11-07T15:03:00.000-08:00

A las chicas travestis de Constitución

Este año en la Marcha del Orgullo, un pequeño comando de sociología contraataca realizó la simple acción de repartir estampitas de la obra “El cristo travesti”, de la artista Pomarola Talk. Cuando la marcha estaba saliendo de la Plaza de Mayo, llegamos Marina Farinetti, Pomarola, Patricio Dean y yo. En el medio de la avenida de Mayo vimos, detrás de unos redoblantes y unas chicas travestis que danzaban y/o desfilaban mostrando con ostentación alegre su figura, un ómnibus viejo de la ciudad de Mercedes cargado de niños, del cual colgaba una bandera del movimiento Evita. Uno de los militantes que levantaba la bandera roja y negra miró primero con asombro y después con afecto rebelde la estampa. Pomarola había dicho que esto es “un homenaje a unas verdaderas heroínas románticas, las chicas travestis de Constitución, que, literalmente, dan la vida por una idea” y me gustó, pero quizás no había terminado de comprender cabalmente de qué estábamos hablando. Cuando una chica travesti me agradeció la estampita y me dijo que la iba a llevar a Córdoba y la guardaría muy junto a ella enlacé algunos elementos que tenía dando vueltas y no podía o quizás no quería unir. El agradecimiento fue de un segundo y la fiesta continuaba. Quizás no era el momento para dejar salir algunas emociones asociadas al dolor, pero en ese segundo se condensaron mínimos gestos de empatías humanas tan profundas como efímeras. Eso bastó para despejar cualquier lectura retórica de aquella frase de Pomarola, y efectivamente pensé que me había escuchado repetir muchas veces que en épocas de trascendencias débiles no se ven implicaciones apasionadas con una causa. Más allá de que esto sea bueno o malo, algo de eso hay en este tiempo histórico líquido.

Pero también es cierta la existencia de poderosos obstáculos culturales que impiden el reconocimiento de que allí, en un sector social bajo, vecino a cierta marginalidad, estigmatizado doblemente por su condición social y por su forma de encontrarse con su elección sexual, exista apasionamiento y coherencia a rajatabla en función de un deseo que es una idea de elección sexual. Hay persistencia y mucho coraje. Porque las historias de aquellas que se rebelan contra las convenciones más profundas y están en un lugar subordinado de la estructura social, sin fuerza política, suelen tener destinos trágicos. Y aunque felizmente existan cada vez más espacios de reconocimiento de derechos, estos destinos trágicos persisten. Y las que recorren estos caminos difíciles defendiendo un deseo que es una verdadera causa, son sin lugar a dudas heroínas románticas a las que el dolor acompaña en distintos momentos de su vida. Y muchas de ellas encuentran el destino trágico después (como se dice, acaso desde hace más de mil años) de haber arrastrado la cruz que les hizo cargar ese mundo potencialmente violento y oscuro que existe en zonas de la convencionalidad social y cultural.

Allí están Claudia “la monstruo”, que murió a los 30 años, Julia de Tartagal, que murió a los veinte; Agustina de Guernica, Barbi de Salta, Yeni La Narciso, Carola, la Negra, Giselle, Yanette, Margarita, Jorgelina, Wendy, daniela, Lourdes y así cientos de chicas que en la ultima década han muerto antes de los treinta o cuarenta años. Cada una de ellas y todas las demás son, de algún modo, el cristo de la estampita de Pomarola Talk. En una situación con algo de epifánica pude intuir que en ese papelito por el que a primera vista quizás no se daría “ ni dos mangos” había un clima fuerte que remitía a Germán Rozenmacher, a Leonardo Favio, a Pablo Suárez. En el informe nacional sobre la situación de las travestis transexuales y transgéneros se les pregunta a las 257 entrevistadas en el 2006 en todo el país si en los últimos cinco años ha muerto alguna amiga/ conocida travesti, y más del 70% contesta que sí.

Hay alegría en la marcha, los redoblantes acompañan una canción de Gilda que se escucha del equipo de una de las carrozas. Varios de los que están por esa cuadra de la avenida de Mayo danzan. Cuatro chicas travestis que nacieron en los arrabales de la estructura social de algún lugar del gran Buenos Aires, caminan cual si estuvieran en una pasarela. Una de ellas tiene los pechos redondos al descubierto, y su mirada de orgullo y alegría rebelde de ese momento, arrincona, sin poder extinguirlas, a las marcas que ha dejado la batalla cotidiana por mantener en alto esa pequeña gran bandera de la extrema diferencia digna, en la pobreza. Claro que son luchadoras me digo a mi mismo, sin lugar a dudas, verdaderas heroínas románticas que reafirman pasionalmente una apuesta en desventaja social cultural y política. Continúo entregando las estampitas, y quizás solo por este momento, imagino que, aunque mínima, esta acción tiene algo de hecho trascendente, casi religioso.

Video sobre la marcha

http://www.youtube.com/watch?v=ZtYUAvh4uIg

Delivery

2010-09-02T15:35:00.000-07:00

¡Sensacional Estreno!

Dramaturgia y Direccion: Gustavo Moscona

Actuan: Ivana Cox, Bibiana De Leonardi, Leandro Llorente, Lourdes Massa, Gonzalo Moreno, Carlos Ocampo, Daniel Paez, Romina Palermo y Gustavo Tevez

Vestuario: Ema Yorio

Iluminacion: Natalia Pioppi

Sonido: Marisol Bellusci y Daniela Bulansky

Diseño Grafico: Nadia Finck

Asistencia Escenografica: Marisol Bellusci

Asistencia de Direccion: Sol Heffesse

Coreografia: Daniela Bulansky

Centro Cultural Sabato
Uriburu 763
Ciudad de Buenos Aires
Consultas al 4374-4448 int 6404
www.ecom.uba.ar/ccsabato

Estreno: Viernes 10 de septiembre 22:30 hs.
¡8 Unicas Funciones!
Entradas: 30 y 20 pesos

Jabalí Difunto

2010-08-18T14:18:00.000-07:00

MIÉRCOLES 18 DE AGOSTO DE 2010

el jabalí difunto

El 17 de agosto se celebró un foro inaugural de elemededé

titulado El jabalí difunto.

La democracia ateniense sigue siendo una cuestión

sorprendente y ejemplar. La comunidad estrecha sus

lazos en la conversación, la poesía, la gymnasia,

las discusiones filosófico-mitológicas, los placeres

de gusto, el olfato y el oído. Fiestas, competencias,

cultos públicos y secretos, como el festival

exclusivamente femenino de las Tesmoforias.

Claro que esa sociedad era mucho más compleja

que este cuadro idílico, pero es la parte de la

historia que nos importa. Del mismo modo que

nos interesa el hecho de que los funcionarios

y magistrados fueran elegidos al azar entre los

ciudadanos. O que su pedagogía fuera tan entretenida.

Pese a que la propuesta para este foro era

"aproximadamente helénica" los registros fotográficos

muestran una notable confusión con los modelos

romanos del cesarismo. Pareciera que las fantasías

políticas dominantes en la actualidad repiten los

ciclos de helenización y romanización que se dieron

en Francia en los siglos XVII, XVIII y XIX. Democracia

probabilística hedónica o república cesarista circense.

Estos serán algunos temas que elemedede desenrrollará

en esta era.

Otra romántica producción de LMdD que muestra las

posibilidades de vivir.

Rodbertus Iacus

Lagunis
El ciudadano Alejandro
Rósides

Lucrecio y Marianides

Cumpleaños: Roberto Jacoby

Ninfas, Náyades, Cíclopes: Kiwi Sainz,

Nacho Marciano,

Lidia Aufgang, Patricia Pedraza,

Syd Krochmalny,

Víctor Zavalía, Julia Ramírez,

Andrés Pasinovich,

Florencia Hippolitti.

Manjares: Bambú de Manzana

Panes y arreglos: Deborah Roux.

Djs: Gastix, Dj Caraca, Ale Star.

Músicos invitados: Axel Kryger,

Nacho Marciano,

Martín Karakachoff.

Registro: Rosana Shoijet, Alejandro Ros,

Cecilia Sainz, Mariela Bond,

Marcelo Galindo,

Syd Krochmalny.

Make up: Ale Star

Agradecimientos especiales : Victoria

y Spa Colmegna,

a Bambú de Manzana y al anónimo

coleccionista

filántropo que permitieron hacer

este encuentro.

Un artículo valiente de Ernesto Meccia

2010-08-14T18:36:00.001-07:00

No es fácil explicar-y por lo tanto entender- en un artículo corto cuestiones referidas al dolor humano. Ernesto Meccia está escribiendo reflexiones profundas desde la sociología-y esta es una de ellas- que se transforman en objetos literarios y en herramienta política, en el sentido más denso y productivo del término. En Sociología Contraataca estámos honrados de contar a un intelectual como Ernesto Meccia entre nuestros amigos.En esta lucha nos reconocemos y de algún modo la consideramos una valiosa porción de la gran tarea que imagina mil y una acciones bajo las banderas de la emancipación humana.

Viernes, 13 de agosto de 2010
¿Ley pareja?
Por Ernesto Meccia
El Tribunal Oral IV de La Plata condenó a Marcelo Bernasconi (de 19 años) por los delitos de “homicidio calificado por el vínculo y la alevosía” en el caso de su madre, y “homicidio calificado por la alevosía” en el caso de su hermano.
El presidente del tribunal, Emir Caputo Tártara, expresó que “la confesa condición de homosexual del imputado carece de toda relevancia a los fines del objetivo análisis en la tarea de subsunción de hechos a Derecho. Dicho de otra manera –aunque harto obvio, reitero–, tal aspecto es ajeno e inocuo a los efectos de la aplicación de la norma que corresponda”.
Ni bien leí estas expresiones, recordé una frase de Anatole France (1844–1924): “La ley, en su magnífica ecuanimidad, prohíbe tanto al rico como al pobre dormir bajo los puentes, mendigar por las calles y robar pan”.
Por favor, que los lectores no crean que haré apologías de ningún tipo; solamente quisiera –ayudado por esta frase– analizar cuáles serían los “hechos” de este caso que se subsumieron a la ley y cuyo producto final fue la condena.
Marcelo es gay y el entorno en el que vivía es homófobo o, lo que es lo mismo, heterosexista, que a esta altura todos sabemos, es una de las ramificaciones de la ideología racista. ¿Qué es una ideología racista? ¿Un conjunto de enunciados que alumbra un hecho para mostrarlo en toda su desnudez objetiva? ¿O, más bien, un relato sobre ese hecho que le imprime características fantásticas y, de este modo, lo inventa? Claro que es lo último, pero –por más ficticio que sea– se trata de un relato que tiene consecuencias muy reales, sobre todo en las personas a quienes se lo destina, quienes a partir del relato difamador viven como difamados o como contestadores a la difamación. Sea como fuere, su vida ya no podrá entenderse en ausencia de esa fantasía injuriante.
Si convenimos en esto, les propongo que veamos, primero, “cuántos” hechos están en juego aquí y, luego, con “cuál” de ellos trabajó la Justicia.
La subjetividad maltrecha de una persona gay es un hecho tan real como lo que esta persona puede hacer en circunstancias repetidas de tensión insoportable (matar o suicidarse). A su vez, quienes crean la tensión re–citando el relato racista (el arquetípico “puto de mierda”, un clásico), también están realizando hechos tan reales como confirmarse como “normales” y crear una realidad psíquica insufrible en su destinatario. Por último tenemos una tercera clase de hecho (terrible) que es sobre lo que se ha basado la Justicia para producir la condena: el asesinato de la madre y el hermano.
Entonces lo que se subsumió a Derecho fue un hecho y no todos los hechos del caso Bernasconi, lo cual demuestra lo incompleto (¿o ideológico?) que puede ser algunas veces el razonamiento judicial.
Si reformulara la tremenda ironía de Anatole France, podría decir: “El heterosexismo, en su magnífica ecuanimidad, prohíbe tanto al gay como al heterosexual de venenosa lengua suelta reaccionar negativamente el último día del año, lo que es decir la vez número 365 que debió escuchar que lo llamaran ‘puto de mierda’”. Complicado, ¿no?
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Performance de Jacoby

2010-08-02T08:56:00.000-07:00

EL PAIS › TESTIMONIOS Y COLOR A LA HORA DE ENTRAR A LA ROSADA

Página 12

La previa del acto

Los invitados desbordaron la capacidad del salón. Una larga fila de personas pugnaba por entrar: una variopinta muestra de la diversidad que por primera vez se hizo un lugar en la Casa Rosada.

Por Emilio Ruchansky

Entrar por la puerta grande de la Casa Rosada no es fácil. Lo saben los cientos de militantes por la diversidad sexual que hicieron una larga cola sobre la calle Balcarce, también lo sabe el ex jurado de Bailando por un sueño Jorge Lafauci, que en su afán de esquivar el bulto, quiso atravesar las rejas por el acceso de prensa y fue ninguneado por los guardias de seguridad. “Yo vengo a ver qué pasa. A mí me invitó el productor Alejandro Vannelli, hace treinta años que lo conozco; ahora, si tengo que hacer cola me voy”, le dijo este personaje mediático a Página/12. Mientras esperaba a Vannelli, que ya tiene fecha de casamiento con el actor Ernesto Larrese, a ver si lo hacía entrar, otro famoso actor, Carlos Santamaría, se acercó al mismo lugar. Y lo rebotaron también.

En medio del nerviosismo de algunas personas que no estaban anotadas para entrar y rogaban favores a sus conocidos detrás de las rejas, apareció un señor canoso, de traje, zapatos y tapado azul que comenzó a arengar: “¡Qué no decaiga la alegría! ¡Por qué tanta seriedad!”, gritaba. Luego desenrolló su pancarta: “Los mismos derechos para nuestros hijos gays y sus hermanos heterosexuales”. Turistas, activistas y curiosos se acercaron a él para retratarse, sosteniendo la pancarta. “¿Brasil? Ustedes van a conseguir el matrimonio igualitario también, no se preocupen”, le decía a una activista del país vecino.

“Me llamo Francisco, vine con mi esposa y otras dos personas más del grupo de Padres, Familiares y Amigos de Gays y Lesbianas. Armamos el grupo en 1998, le aclaro que en Estados Unidos hay 500 filiales”, informó el señor. ¿Y en Argentina cuántas hay? “Dos, la otra está en Córdoba, entre paréntesis, funciona en una iglesia católica. La armó una señora que es militante católica, pero que entendió enseguida que éste es un tema de amor. Algunas iglesias tienen un discurso distinto que la cúpula”, respondió. Su esposa, Ema, contó que recién después de la aprobación de la ley blanqueó la orientación sexual de su hija con la mujer que limpia su casa desde hace casi 25 años.

“Yo quería compartir la alegría que sentía. Ella lo entendió enseguida, me dijo: ‘Señora esto es así, yo tengo un sobrino en Tucumán que está en las mismas condiciones, es amor, no otra cosa’”, recordó Ema. Además de la alegría, la mujer siente tranquilidad por la aprobación de la ley porque fue “una decisión transversal, no de un solo partido”. Su marido, en una pausa tras sacarse varias fotos con su pancarta, regresó con una sonrisa enorme: “Ya está, ya está”, se decía a sí mismo. “Yo creo que el 60 por ciento discrimina por ignorancia, el 20 por ideología y el otro 20 es abierto a la diversidad. Ahora ese 60 por ciento está mejor informado, eso es lo que ganamos”, concluyó.

A la vuelta de la entrada principal, sobre la calle Hipólito Yrigoyen, cinco activistas de la Asociación de Travestis, Transgéneros y Transexuales de la Argentina (Attta) se fotografiaban entre ellas. “Nunca me imaginé que iba a entrar en la Casa Rosada”, dijo Nadia Molina, que además de coordinar a la Asociación en Córdoba, trabaja en el Instituto contra la Discriminación. “El matrimonio igualitario fue el primer obstáculo superado, ahora falta la ley de identidad de género para tener documentos acordes con nuestra identidad, lo que facilita la entrada a la escuela o alquilar una vivienda. También queremos sacar los edictos que criminalizan el travestismo en muchas provincias”, enumeró.

Pocos metros más adelante, cuatro norteamericanos, todos trajeados, eran observados con asombro y desconfianza por sus vecinos en la fila. “Se deben haber equivocado de lugar, por ahí quieren ir al Ministerio de Economía”, le dijo un activista a otro, que llevaba la bandera con los colores del arco iris colgada de los hombros. No estaba del todo equivocado. “Venimos de Washington D.C., somos de la Cámara de Comercio de Gays y Lesbianas de los Estados Unidos, vinimos invitados por la embajada norteamericana”, se presentó uno de ellos, Justin Nelson.

“Estoy muy excitado por todo lo que está pasando en Argentina, es algo histórico, muy positivo, nos da esperanza a los demás países de América y del mundo entero. El cambio está ocurriendo ahora mismo”, agregó Nelson, que vino en misión comercial y de intercambio cultural, junto a otras personas en representación de nueve empresas estadounidenses. “Queremos generar contactos y ver oportunidades de exportar”, comentó antes de que alguien lo tomara del brazo y lo colara a él y a sus tres compatriotas más cerca de la puerta.

Ya estaba anocheciendo cuando llegó el diablo con pulóver y calzas negras, cuernos, cola y dos tridentes rojos. Y claro, también se coló. “Soy de la Movida del Diablo, un grupo de 200 personas compuesto por músicos, artistas visuales y abogados. El nombre está inspirado en la frase del cardenal Jorge Bergoglio”, dijo el hombre, que resultó ser el artista Roberto Jacoby. ¿Estaba haciendo una performance? “No, esto es un acto político, también fuimos al Congreso cuando se aprobó la ley, fuimos los que cantábamos ‘¡Satanás, Satanás, sacate la sotana, Satanás!’”.

Sociocontraataca en la rosada igualitaria. Entrevista a Ernesto Meccia

2010-07-22T09:03:00.000-07:00

Sobre la ley de matrimonio igualitario y la iglesia católica: LA DERROTA DE LA MÁQUINA DEL MIEDO. Entrevista a Ernesto Meccia
Por feduba prensa el 22 Julio 2010
En el marco de las entrevistas realizadas a actores claves del mundo académico, FEDUBA dialogó con Ernesto Meccia, Licenciado en Sociología y Magíster en Investigación Social (UBA). Es autor del libro “La cuestión gay. Un enfoque sociológico” (Gran Aldea Editores, 2006). En la actualidad se desempeña como Profesor de Sociología en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad Nacional del Litoral.
¿Cuáles son los sentidos más importantes la ley que aprobó el Senado que habilita el matrimonio entre personas del mismo sexo así como la adopción de hijos?
En mi opinión, es trascendente desde una doble perspectiva: en primer lugar, es saludable que la clase política de nuestro país no tape más el sol con el dedo; mejor dicho, es saludable que se haya dado cuenta que el sol existe con independencia de su voluntad.
Los cambios que se aprobaron en el Código Civil no inventan absolutamente nada, esta nueva legislación viene a reconocer una realidad preexistente. Para aquellos que se asustan, que se queden tranquilos: las familias homoparentales (también llamadas “nuevas familias”) no representan el invento de las organizaciones LGTB, sino que representan una realidad silenciada e invisibilizada.
En segundo lugar, este cambio es trascendente porque se vincula directamente al quehacer propio de la clase política que tiene que ser estrictamente “político” y no vinculado a cuestiones extra políticas, sobre todo de tipo religioso.
Los políticos tienen la Iglesia para rezar y el Parlamento para legislar. El casamiento entre personas del mismo sexo que ahora contempla la ley no es un asunto sacramental ni sagrado. Esto debemos destacarlo en un país como el nuestro en el que la Iglesia Católica -a pesar de no ser la religión de Estado- tradicionalmente tuvo (y en muchos aspectos sigue teniendo) una capacidad de presión muy importante sobre las discusiones políticas y sobre los contenidos e implementación de las políticas públicas.
Yo vengo estudiando este tema ya hace tiempo y te puedo asegurar que lo ocurrido marca un antes y un después. La derrota que sufrió la Iglesia Católica no solo no tiene precedentes sino que no tiene marcha atrás. Cuando en los días previos, escuchaba como el cardenal Bergoglio y otros personeros de la jerarquía católica incurrían en el delito de discriminación demonizando a los demandantes, y cuando luego se pusieron a organizar la movilización frente al Congreso y hablaban de plebiscitar la iniciativa parlamentaria, me decía que todo esto tenía que ver con un final, que comenzaban a escucharse los acordes de un maravilloso réquiem, que estábamos en las vísperas de la culminación definitiva de un largo y ominoso ciclo de dominación política y cultural de la Iglesia Católica que se confunde casi con la historia misma de nuestro país. Esas reacciones previas eran estúpidas estrategias típicas de quien patalea inútilmente para no ahogarse.
Pero el problema de esta religión no consiste que tiene que vérselas solamente con una clase política que puede decidir en condiciones de relativa autonomía. El gran problema, en realidad, es que no encuentra el modo (porque ese modo no existe) de enfrentar un clima cultural general de reconocimiento de las diferencias, de secularización de la vida social y de valoración de los proyectos de vida individuales. Destaquemos que aquello con lo que no puede la Iglesia es con una franja importantísima de su feligresía, cuya sensibilidad es contraria a la de su jerarquía. Si esta institución fuera un poco democrática, Bergoglio debiera haber presentado su renuncia y adelantar las elecciones. Ya sé que eso es imposible. Pero me queda la compensación de que Bergoglio ya no es más un candidato “papable”, con lo cual nos ahorramos una vergüenza argentina en el exterior (ya hemos tenido unas cuentas).
Los argumentos de diputados y senadores que se escucharon a favor y en contra del matrimonio entre personas del mismo sexo ¿suelen coincidir con los de la sociedad en su conjunto? ¿fueron representativos?
Sin dudas, seguramente. Pero tenemos que partir de una premisa muy profunda: toda representación política es siempre imperfecta. Hay muchísimas demandas de los colectivos LGTB, o de otros colectivos sociales, que no están representadas del todo en los debates parlamentarios. Esta incompletitud estructural de la representación podríamos asociarla al carácter “reciente” de un debate. Pero nos equivocaríamos. La profundidad de esta premisa, en realidad, va más allá del tiempo, es atemporal: todo tema social o político (por más que se discuta desde siglos) siempre va revelando nuevos aspectos que los discursos políticos nunca llegan a capturar just in time.
Es muy importante que pensemos esto así, de lo contrario, caeríamos en una visión simplista y tranquilizadora de la representación política. Por favor, no creamos que porque existe esta modificación en la ley ahora el colectivo LGTB que festejó emocionado se quedará tranquilo. No, existen muchas otras demandas que no representó este debate. Recuerdo que cuando los gays obtenían una porción de ciudadanía los políticos pensaban: “bueno… ahora ya está”. Fijémonos qué lejos está eso de la historia real: siempre surge una nueva dimensión de la problemática que busca su lugar en el lenguaje político.
Bien esas nuevas demandas no solamente son infinitas sino que no sabemos cuáles son. La vida “pura” en la sociedad tiene que ver con esto: con la indeterminación –que en este caso quiere decir “apertura”- de los asuntos sociales, de qué somos, de qué queremos. El que tiene todo “cerrado” tendrá dogmas. Pero el dogma no es una representación, es una “re-citación” casi ritual de lo que alguna vez se pensó. Por eso, el político que quiere hacer política con dogmas se destituye a sí mismo. Estas personas tienen que ir a la Iglesia, no a un palacio legislativo.
Hecha esta aclaración, digamos que tanto los que estuvieron a favor y en contra expresaron sentires sociales generalizados de distinta intensidad. Sin embargo, estamos en un momento en que cual el reconocimiento de las diversidades de la vida social en general -no solamente de las diversidades en términos sexuales- viene marcando muy fuertemente el sentir social. Ese sentir social se va trasladando de la esfera social a la esfera política, se siente encorsetado allí. Fijémonos –en consecuencia- cómo con el tiempo la clase política tiene que hacer frente a un repertorio de temas relacionados con este clima cultural que era inimaginable 25 años atrás.
Pienso que –efectivamente- el matrimonio es representativo del sentir de muchas personas pero también tenemos que meternos en la cabeza que existen otras formas de entender la vida en pareja y la nuclearidad familiar que no se reconocen en la alternativa matrimonial. A mí me interesa pensar en la multiplicación de las diferencias y en la multiplicación de las formas de reconocimiento de las diferencias. Es necesario decir esto desde dos puntos de vista: primero, porque estaría bueno que ni se nos ocurra pensar que ahora el matrimonio tiene que ser una norma –un “deber ser”- de convivencia entre los homosexuales y lesbianas. Lo que se aprobó fue la extensión de un derecho que no tenían quienes debían tenerlo. Ese es el sentido de la “igualdad jurídica”. Nada más. Los miembros de los colectivos LBTG debían tener el mismo repertorio de derechos que el resto de las personas y –al igual que ellas- pueden hacer uso de algunos de ellos o no. Lo importante es –ni más ni menos- que se lo tenga. Así como el Estado es universalista a la hora de reclamar el pago los impuestos es que tiene que serlo a la hora de la elección de la vía matrimonial.
Pero no tenemos que ser ingenuos y pensar que para la sociedad está todo bien con la diversidad sexual. Tenemos que ver las famosas dos caras de la moneda. Hay mucha gente que tiene miedo, inclusive mucha gente que dice estar a favor de lo que se aprobó. Desde un punto de vista sociológico es lógico que eso ocurra. Y aquí, nuevamente la responsabilidad es de la Iglesia Católica, esa vieja creadora y recreadora de miedos en la sociedad.
Para que entendamos el modus operandi de la Iglesia relativo al miedo hacia la homosexualidad te propongo que pensemos la homosexualidad como una “muñeca rusa”. Cada muñeca representa un miedo que en su momento la Iglesia –a través de curas y laicos que manda a la televisión- supo explotar. Tengo mucha memoria… el primer miedo (la primera muñeca) fue que si se aprobaban derechos para la homosexualidad, la homosexualidad se diseminaría por la sociedad. Cuando le negaron la personería jurídica a la CHA (primeros años 90) la Corte Suprema de la Nación pensaba así y el cardenal Quarracino en televisión también. A la sociedad le costó mucho vencer ese miedo. Luego vino el SIDA… sin palabras. Luego la Unión Civil: que si se permitía que se unan dos personas del mismo sexo, al día siguiente se iba amanecer con la noticia de que alguien quería unirse con un hermano o con un animal. Luego, cuando la Iglesia ya no pudo contra esto, le pidió a sus personeros en el Congreso que se pongan más cercanos a la Unión Civil que tanto había combatido y contrarios al matrimonio porque –claro- las luchas de los colectivos LGTB habían llegado a la muñeca rusa más medular: los niños que podían adoptarse. Este fue el último gran miedo que agitó la Iglesia Católica, extraño agitamiento de una Iglesia rebosante de casos de pedofilia.
¿Por qué cree que circula la necesidad de justificar el hecho que de padres homosexuales no tienen por qué salir hijos homosexuales, al mismo tiempo que se expresa que no hay nada de malo en ser homosexual?
Por lo mismo que estábamos diciendo: el fantasma homosexual como una muñeca rusa, donde el pensamiento discriminador –que no tiene límites- siempre encuentra una muñeca de donde agarrarse. En este caso, el contagio sería directo, de padres a hijos. Qué increíble todo lo que hace pensar el miedo. Ni los que dicen eso pueden verse a su alrededor y pensar que la gran mayoría de nosotros somos hijos de padres heterosexuales. Pero esa es la lógica profunda del pensamiento discriminador. A la irracionalidad del pensamiento discriminador no podés pedirle una lógica “lógica”, no podés pedirle una especie de feedback entre imaginación y realidad, porque el pensamiento discriminador se alimenta solamente de la fantasía, y es justamente más fantasioso cuando la realidad le sopla la nuca para contradecirlo. Es meramente imaginativo y por eso tan peligroso. Jean Paul Sartre decía algo que no me canso de repetir: “si el judío no existiese, el antisemita lo inventaría”. Es una frase increíble que nos habla de la obstinación del pensamiento discriminador que siempre quiere fabricar al otro como un monstruo para confirmar la “normalidad”, la “seguridad” de quien discrimina que –por definición- es un inseguro… ¿por qué -si no- tanta invención? ¿por qué -si no- tanto terror hacia personas con las cuales nunca ha tomado un café? Seguro que existirá en la mirada del discriminado algo que ilumine alguna verdad muy humana al discriminador que –como vemos- además de inseguro tiene miedo. No obstante, la sociedad viene demostrando un importante grado de madurez, aprendió a verse a sí misma, a tratar de poner entre paréntesis muchas cosas, darse a pensarlas, en vez de levantar el dedo índice para señalar, acusar, enclasar, clasificar. Yo estoy convencido de que la sociedad está mucho más sensible hacia muchos temas, sobre todo, aquellos que se relacionan con las elecciones de vida, con los sentimientos, con las decisiones personales. Bergoglio representó por estos días la exacta contracara y, en este sentido, ha colaborado inmensamente para ampliar la sensibilidad social. Esa gran máquina del miedo ha sido duramente derrotada.
¿Qué papel juega la educación en un país que se pretenda reconocedor y defensor de los derechos de toda su población teniendo en cuenta su diversidad?
Es fundamental, yo soy muy fanático de hablar, de visibilizar. El pensamiento discriminador se alimenta de la fantasía, se alimenta a sí mismo, y como es un pensamiento que no quiere tener relación con la experiencia porque muy probablemente la experiencia lo refute, el otro que construye la imaginación es un otro paradojalmente concreto porque es muy abstracto. Justamente, como es un estereotipo muy fijo, con atributos bien marcados, el modo de desabstractizar esto y concretizarlo en sus propios términos es hablar, es mostrar esas cosas. Es, sobre todo, hacer hablar a los que serían eso, hacer que se vea a los que serían eso, de manera de retorcer el argumento de la discriminación. En este sentido, el rol del educador tiene que ver con desarmar la famosa asociación entre diferencia, extrañeza y otredad. Hay que educar en el rompimiento de las diferencias artificiales y para reconocer diferencias reales. Hay que educar en el sentido de mostrar que lo más universal es la diferencia, por más que haya mayorías. Por más que haya un diferente, tenemos que pensar la diferencia como un universal porque ese diferente necesita el mismo respeto que tienen las mayorías y todos sus derechos. Todos. No caigamos en la trampa de los números y los porcentajes. El otro día estaba en la televisión la senadora Negre de Alonso –esa otra gran perdedora- diciendo que el proyecto alternativo iba a generar el 99% de los derechos que el proyecto que había aprobado diputados. La lección de matemática le salió mal, muy mal.
Archivado en Actualidad, Entrevistas, Noticias Etiquetas: El Boletín de FEDUBA N° 67

LA MOVIDA DEL DIABLO

2010-07-14T21:33:00.000-07:00

Roberto Jacoby, Mariela Scafati, Syd Krochmalny, Nacho Marciano, Lola, Lidia Aufgang, Adriana Minoliti, Víctor Florido, Alina Perkins, Paula Bugni, Julia Ramírez, Santiago Villanueva, Andrés.

2010-07-14T09:42:00.000-07:00

2010-07-13T15:06:00.000-07:00

2010-07-13T07:38:00.000-07:00

Tecnologías de la amistad y tecnologías de la confrontación: ¿ni un metro cuadrado de sociabilidad?

Sobre una experiencia de artistas visuales trabajando con el contexto y los conflictos de la militancia estudiantil en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA
por Syd Krochmalny

publicado en

http://plantarevista.com.ar/

véase en el texto completo

en http://plantarevista.com.ar/spip.php?article94

2010-07-07T06:32:00.001-07:00

Del 10 al 30 de julio

FOREWORD CUBISTA
Cecilia Szalkowicz, Gastón Pérsico y Mariano Mayer

Con la participación de

Ezequiel Alemián, Rafael Cippolini, Sema D'Acosta,

Rubén Fernández-Costa, Mariano Grassi,

Claudio Iglesias, Syd Krochmalny, Fernanda Laguna,

Valentina Liernur, Luis Lindner,

Iván López Munuera, Ianko López Ortiz de Artiñano,

Román Padín Otero, Manuel Segade.

Todo proceso de traducción resulta permeable y esta cualidad

permite que en su pasaje muchas cosas queden fuera o se

incorporen otras. En ningún caso se trata de una traslación

directa sino de un proceso de creación, cuyo resultado produce

un desplazamiento diferente. El proyecto FOREWORD

CUBISTAen su totalidad puede ser visto como un comentario

tanto sobre los mecanismos de producción del campo del arte

y la necesidad de generar nuevas situaciones y herramientas

como sobre las diferentes proposiciones que un mismo trabajo

es capaz de contener.

Inauguración:
Sábado 10 de Julio, 2010
19.30 hs

Espacio Abisal
C/Hernani 14, bajo
48003, Bilbao
www.espacioabisal.org

Abierto de martes a viernes de 17.30 a 20.30 hs
Hasta el 30 de julio.

SCRIPT
www.clubscript.blogspot.com

¡“Un vino en cada mano"!

2010-06-30T12:19:00.000-07:00

Sociabilidad y Cultura. A propósito de la presentación del libro de Tomás Espina y Retratos Sociales de Syd Krochmalny y Tomás Espina en Fundación Proa.

por Ana Wortman

librería de la Fundación Proa

Convencionalmente las exposiciones de plástica se hicieron en lugares gentrificados de Buenos Aires. El barrio del Socorro, la Recoleta en primer lugar ha sido el lugar por excelencia de las galerías de arte propiedad de familias de linaje y fuerte raigambre, la llamada oligarquía argentina. Así las artes, llamadas bellas artes y en particular la pintura y la escultura expresaban una estética que acompañaba la estética urbana afrancesada. Se establecía un nexo entre cultura europea, en particular parisina, con el arte y el buen gusto. Así la ahora llamada plástica y /o artes visuales estuvo vinculada casi más que ninguna otra disciplina artística muy estrechamente con un determinado sector social de alto poder adquisitivo, ubicado en determinado ámbito urbano.

Esta forma de arte, y de puesta en escena del arte y de la vieja clase alta argentina sigue existiendo, pero se fue diversificando fundamentalmente a partir de las transformaciones sociales, políticas y culturales de la sociedad argentina a partir de los años sesenta. El proyecto del Instituto Di Tella da cuenta no sólo de cambios y de la emergencia de un nuevo tipo de arte argentino por un lado, sino también de nuevas clases sociales interesadas por el coleccionismo de arte y su auspicio Las experiencias del Instituto di Tella ya no tuvieron lugar en la aristocrática y afrancesada zona del Socorro y la Recoleta, sino que se trasladaron a un ámbito urbano distinto. Como bien señala Sebreli entre otros, el público del Di Tella era otro. Se vinculaba con la efervescencia cultural que convocaba la masificación de la facultad de filosofía y letras, el boom editorial y literario de esos años. Una clase media pujante, ávida de “cultura” se reflejaba en los altos porcentajes de asistencia a las actividades que allí se desarrollaban. Cambiaba también en esos años la idea de Museo y de contemplación para las artes. En el Di Tella se exponían nuevas generaciones de artistas, pero también músicos, experimentos teatrales etc. En esos años nos encontramos en la zona del bajo de la ciudad, ámbito de reunión de intelectuales y artistas en un conjunto de bares.

Pasados los años de oscurantismo provocados por la dictadura militar más cruenta que haya vivido la sociedad argentina, la “movida cultural y artística” se trasladó a un ámbito público como es un espacio cultural de la Universidad de Buenos Aires, el Centro Cultural Ricardo Rojas. En los años de la transición a la democracia, el Centro de la ciudad se pobló de gente. Recuperado el espacio público después de largos y oscuros años de toque de queda, la gente que estaba recluida en el espacio privado salió a la calle. Y el centro comenzó a tener mucha vida, en ese contexto un espacio universitario público como la UBA participó de un clima de libertad y fue escenario público de cierto movimiento cultural que se había ido gestando en espacios como Babilonia, ámbito del teatro off Corrientes así como también de la llamada movida gay que se expresaba culturalmente en la Revista El Porteño.

En el marco de las transformaciones sociales fuertes que se dieron en la sociedad argentina desde mediados de los setenta y acentuadas en los noventa, en las cuales las extendidas clases medias se fueron reduciendo y las clases medias altas cada vez fueron menos progresistas y cultas a la manera de parte del público del Di Tella y de las librerías, fue creciendo en forma vertiginosa la pobreza en la Argentina. Este proceso de creciente fragmentación social se manifestó urbanisticamente. Una zona norte rica y una zona sur pauperizada y también abandonada por las políticas públicas.

En ese contexto y siguiendo el análisis que hace Pierre Bourdieu acerca de cómo en contextos de cambios económicos surgen nuevos estratos sociales, vemos nacer una nueva burguesía y una nueva pequeña burguesía que se manifiesta principalmente en las transformaciones que comienzan a darse en el barrio de Palermo en los años noventa en adelante. Estos sectores sociales emergentes crean no sólo espacios de diseño sino también nuevas galerías de arte, las cuales también adoptan otros nombres: ahora más que galerías de arte se habla de espacios de arte, con otro formato y otra puesta en escena menos estructurada y más acorde a estilos de vida despojados de estas nuevas clases medias más estetizadas al decir de Featherstone. En el contexto de la crisis del 2001 surgieron un conjunto de espacios culturales autogestionados por artistas En el contexto de la reactivación económica de los primeros años del gobierno de Kirchner surgieron un conjunto de galerías comerciales , tambien plataformas de museos a escala nacional y de colección de arte contemporáneo (2000-2007), pero fuertemente entre el 2004-2005.

Curiosamente en estos últimos años y como parte de nuevas políticas urbanas de características globales que tienden a rescatar el llamado patrimonio histórico, hay una zona del sur, empobrecido con un porcentaje alto de la población con necesidades básicas insatisfechas, connotado negativamente por la cantidad de problemas sociales etc. Sin embargo y en el marco de ciertos imaginarios difundidos por Ongs internacionales, vinculadas a la cooperación cultural europea, han surgido algunos espacios destinados a exposiciones, muestras o centros culturales derivados de una nueva forma de financiamiento de la cultura. Como es sabido en America Latina tiene cada vez más presencia en el plano cultural al menos la cooperación española, la cual de alguna manera reitera lo que ya ha ocurrido en Europa, la política de recuperar urbanísticamente espacios históricos degradados. Recientemente se ha inaugurado un nuevo espacio del Centro Cultural de España en el barrio de San Telmo, en un edificio reciclado que durante muchos años fue una casa tomada que antiguamente había sido un Centro de niños abandonados. Luego de un fuerte conflicto con sus habitantes que fueron trasladados, el edificio hoy renace como centro cultural en la línea de la recuperación de edificios con carga histórica.

Tomás Espina (con un sutil pingüino de plata en el saco), María Casado y José Fernández Vega

público en el auditorio de la Fundación Proa

Así llegamos a la Boca, donde en el medio de cierta recuperación para el turismo de algunas calles emblemáticas en un marco de pobreza y marginación se encuentra la Fundación Proa, la cual fue tomando notoriedad en los últimos años por la transformación edilicia, siguiendo la lógica del multiespacio cultural. Tiene excelentes salas para muestras de plástica y videos, un auditorio, pero también librería, un bar restaurant y una terraza con vista a la zona del Riachuelo.

El viernes 18 de junio fuimos invitados a la presentación del libro de Tomás Espina, exponente de una generación intermedia de artistas visuales, premiado por las nuevas organizaciones de la cultura y eventos internacionales, evento que se completaba con la proyección del video documental filmado por el sociólogo y artista Syd Krochmalny, En dicho documental se mostraba en formato de crónica, relatos, historias de vida de sujetos marginados en un pueblo también relativamente marginado de la provincia de Córdoba, Unquillo, otrora tierra idílica de artistas como Carlos Alonso y Spilimbergo, lugar de residencia de Espina entre los 15 y los 22 años , y también refugio de hippies durante los útimos veinte años. Cabe señalarse que Unquillo, como otros lugares de la provincia de Córdoba también fue lugar de veraneo de la aristocracia argentina en las primeras decadas del siglo XX y entró en decadencia hacia los años 40 cuando empezaron a tener relevancia otros lugares de veraneo.

Instalación de dibujos en el bar Tiky Tiky, Unquillo, Córdoba

Los entrevistados, marginales, fueron los actores protagonistas de los retratos de Espina los cuales inesperadamente y como todo acto social tuvieron un devenir no previsto, se difundieron por el mundo a partir de las fotografías que los propios retratados hicieron a través de celulares. La experiencia de los retratos constituyó un acto social ya que la experiencia finalizaba con el diálogo colectivo, artistas y vecinos del pueblo sobre lo realizado por cada uno de ellos La experiencia adquirió una relevancia particular que excedió lo esperado ya que las fotos trascendieron al mundo a través de las redes sociales de Internet.

Como muchos de los documentales actuales argentinos, estaba subtitulado al inglés, lo cual da cuenta de una nueva especialidad y temporalidad en la cual se sitúan los artistas actualmente, su campo de proyección es el mundo. Estos retratos sociales constituyeron en el evento la punta de un arco de otros retratos sociales, los presentes en el vernissage.

Tomás Espina y Nicola Constantino en Fundación Proa

Museo Spilimbergo, Córdoba, Unquillo

Efectivamente, apenas llegué, un rato más tarde de la hora fijada, todo acontecía como si el evento ya hubiera comenzado. Noté que los mozos iban de un lado para otro sirviendo vino en forma generosa a diferencia de otros eventos. Esta situación me hizo pensar sino había llegado demasiado tarde, ya que en general, lo habitual es que se sirva vino luego de la presentación del artista, del libro y el documental en este caso. Aquí fue diferente, la sociabilidad parecía ocupar un espacio casi central, ya que se sirvió vino y empanadas antes de la presentación del libro y el documental y nuevamente al finalizar. No era una presentación de un libro como las que estoy acostumbrada, lo que más llamaba la atención era precisamente estos retratos sociales, de los allí presentes.

La ropa de los asistentes en general, la comida, el despliegue y el tiempo transcurrido hasta la presentación propiamente. La distinción, la elegancia, en particular de algunas mujeres para la ocasión, me hizo sentir que algo había fallado en mi percepción previa al acontecimiento, pensé para mi, “tenerlo en cuenta para la próxima vez” como ir vestida para la ocasión. Fueron dos horas de conversación, sociabilidad, buen vino y comida. Todo era de una calidad no tan frecuente en ámbitos culturales últimamente, teniendo en cuenta la zona de la ciudad en la cual nos encontrábamos. Vino y champagne de primerisima calidad, mozos entrenados para atender a una burguesía acostumbrada al buen beber y comer. Cabe señalarse que en el evento se encontraban representantes de la aristocracia europea, de la burguesía financiera nacional e internacional, también de la vieja oligarquía argentina, nuevas generaciones de artistas promovidos por la proliferación de eventos artísticos y el nuevo coleccionismo de arte…..todos confluiamos en la producción de nuevos Retratos Sociales: de las formas que asume hoy el campo artístico.

público viendo los Retratos Sociales

Pira, Ignición y Retratos Sociales en Proa

2010-06-17T11:29:00.000-07:00

Fundación PROA
Av. Pedro de Mendoza 1929

2010-06-14T11:18:00.000-07:00

El fotógrafo Ezequiel Skenen, compañero de nuestra carrera de Sociología, se acercó el viernes a registrar el evento que nos convocara. Ésta es su propia reinvención del logo.

Klaudia con K en Sociales - ¿LOGO, ESTAS? O la construcción del pretexto

2010-06-13T16:11:00.000-07:00

El subsuelo de Sociales fue testigo una vez más de eventos no convencionales en nuestra Facultad. Esta vez, Sociología Contraataca presentó su Logo que contiene la figura de Klaudia con K. Ella es actriz, poeta y performer, y su trayectoria tiene ya veinte años, en los 80' en plena resistencia del arte under junto a Batato. Klaudia hace dos años atrás en uno de los pasillos de nuestra facultad, posó como si fuera aquella figura esbelta y de mirada perdida de nuestro logo universitario. No fue un acto casual, fue un hecho premeditado junto a Ezequiel Romero. En ese momento se estaba desarrollando SEA MADRE/UBA DESMADRE, una serie de performances organizada por Ezequiel Romero y Sociología Contraataca. Klaudia leyó unos poemas de su autoría en la misma pose que la modelo de 1921.

En ese momento, cuando sus senos quedaron al aire y su voz pausada leía, fue cuando el acto estético-político adquirió un matiz central. Se resignificaban aquellos contenidos de sabiduría y trabajo como virtudes argentinas, en el cuerpo trans de Klaudia, que -como ella afirma- es autodidacta y no es argentina. Todo esto quedó plasmado en una fotografía que luego (2010) fue redibujada y colocada simbólicamente en el logo circular de la UBA en lugar de esa otra mujercita. La materialidad gráfica de un evento ya pasado pero potente que aún hoy llama a la acción.

En Sociales, el viernes, hubieron fotocopias con logos en blanco, vacíos y tizas pastel. Constituían el marco donde podía crearse y expresarse la propia versión de aquella parte del logo institucional. También era posible retratar a Klaudia, que una vez más posó como aquel día. En esta oportunidad, su texto fue sobre el bicentenario y su lectura –en ese juego de palabras tan suyo- se tituló: “BI-ZEN-TE-NARIO!?”. Ezequiel y Julian en pose de aprendices o compañeros la escuchaban atentos y redibujaban sobre los espacios circulares vacíos de las fotocopias. Luego Ezequiel leyó unos poemas que Klaudia escribió y publicó tiempo atrás. Quienes fuimos público, la escuchamos y unos la retratamos, otros tomamos fotos, la filmamos…

Klaudia-modelo vivo. Klaudia-representación gráfica en afiches, papeles y postales. Nos leía. Nos interpelaba. Reflexionaba, no tenía la mirada perdida en ningún lugar, nos miraba a cada uno a los ojos. Y todo fue una reinvención estética, pero también política.

Resta por decir que Sociología Contraataca prefiere modelos luchadoras, que disputan el sentido y ponen el cuerpo y es por esto que Klaudia con K está en nuestro logo.

Nadia Finck

¿LOGO, ESTAS? 20hs - SUBSUELO - Fac. Sociales

2010-06-11T12:47:00.000-07:00

La construccion del pretexto:

SOCIOLOGÍA CONTRAATACA
PRESENTA SU NUEVO LOGO

KLAUDIA CON K
POESÍA Y POSE

GUERRERÍA
INTERVIENE

EVENTO PERFORMÁTICO

SC + KLAUDIA CON K + GUERRERÍA

¿LOGO ESTÁS? O la construcción del pretexto

2010-06-08T17:22:00.001-07:00

Pensamos y accionamos sobre la imagen, los logos y los cuerpos. Los esperamos!
SUBSUELO de MARCELOTÉ
VIERNES 11 - 20hs

Sopa de Zapallo, Mariela Scafati

2010-05-30T18:08:00.000-07:00

2010-05-27T16:33:00.000-07:00

2010-05-22T15:07:00.000-07:00

Los símbolos y las identificaciones. 200 años de íconos que representan y reconocen. De la Cárcova en 1921 diseña un logo que remite a ideas romanas, ideales, de sapiencia, cuerpos femeninos. En 2005 por resolución la universidad determinó el uso del Logo Mayor para "promover y fortalecer el uso de símbolos uniformes que identifiquen adecuadamente a esta Universidad otorgándole una imagen institucional coherente". ¿Qué nos representa, qué nos cohesiona? Y podemos extender la pregunta: qué aportamos en estos 200?
Jugamos con las formas y las representaciones. Claudia con K estuvo en Sociales hace varios meses e imitando a la modelo de 1921 leyó unos poemas en nuestros pasillos. Un registro de aquel momento hoy nos posibilita intercambiar cuerpos -legítimos y no legítimos, contestatarios, resistentes-, en nuestro propio logo iconizado y hacemos extensiva la intervención sobre el Logo Mayor preguntándonos también por quienes forman parte del relato nacional cotidiano y sobre el bicentenario.
En la acción lúdica de la intervención, el acto disruptivo que instala la pregunta, para los 200 que pasaron y los 200 que vendrán.

ndh

"La recuperación contemporánea de los eslabones perdidos entre la sociedad y el arte"

2010-05-19T17:13:00.000-07:00

Diego Melero

Jueves 20 y 27 de Mayo y Jueves 3 de Junio de 11 a 13 horas.
Carrera de Sociología -2010.
M.T. De Alvear 2230, aula 303.

Áreas del seminario: 1) arte y política; 2) la ciudad hoy -construción del espacio público; 3) gestión pública y privada en instituciones de cultura (no se limita a artes visuales, abarca otros segmentos, como el teatro, cine, música, panorama editorial, etc.); 4) Performances, cuerpo, escritura y dramaturgia.

Invitados al seminario: Carlos Aldazábal (poeta, editor), Daniel Kurij (artista, ingeniro civil), Luis Lindner (artista), Juan Carlos Romero (artista), Francisco Garamona (editor, librero), Gustavo Ríos (artista visual, curador), Pelusa Borthwick (gestora cultural, galerista), Gustavo Dieguez y Lucas Gilardi (A-77, arquitectos), Marina de Caro (aritsta visual, curadora), Fernanda Laguna (artista, escritora), Ángel Jara (artista, comunicólogo), Syd Krochmanly (sociólogo, artista), Mariela Scafati (artista), Luis Marte (músico, paleobotánico), Fernando Goin (artista visual, docente).
Organiza: Seminario Sociología de la cultura II de la Carrera de Sociología

nuestra amiga Blanca Rizzo convoca a una performance colectiva por el bicentenario

2010-05-10T12:24:00.000-07:00

Convocatoria del Centro Cultural Sabato para producir una PERFORMANCE COLECTIVA POR EL BICENTENARIO.

Convocamos a quienes tengan ganas de participar en una performance artístico-politica dentro de los patios de la Facultad de Económicas de la UBA.

De acuerdo a lo que conversamos entre varios actores-bailarines del área Danza en el Sabato, se harán acciones como caminatas, corridas, gritos, huella encintada, y otras cosas que explicaremos el mismo día. Además queremos que se arme una trouppe de registradores. Puede ser con MP3, celulares, cámaras de foto y video.

Todos, incluso los registradores, deben venir vestidos de negro (la ropa que tengan). Algunos se dedicarán a filmar al público y otros a la performance misma. Todos los participantes, ya sean los que participarán de la performance física como los registradores, se anotan por mail a mi nombre con copia a Salomé Bejerano que me está ayudando a compaginar y que está en esta lista de mail que estoy enviando.
Datos.
Nombre y Apellido.
Mail.
Si viene como performer físico o performer registrador y con que tipo de registro.
Blog si tiene.
Fecha en la que vendrá Lunes 17 a las 20 hs. o jueves 27 a las 20 hs.

La performance colectiva consistirá en accionar durante 8 minutos diferentes acciones simbólicas que den cuenta de sucesos de nuestro país teniendo en cuenta el conflicto primordial de la lucha de los pueblos y de la tiranía de sectores minoritarios, y el saldo de caídos en muchísimos momentos de nuestra historia y por supuesto también en la actualidad. El foco estará puesto en la contundencia de las imágenes y la energía que generan los cuerpos en acción (con acciones sumamente sencillas pero potenciadas por la fuerza de la cantidad de gente haciendo lo mismo). Los textos que se leerán son de Mariano Moreno, dado que además de contextualizarnos en ese momento de la historia tienen una vigencia increíble. Están escritos mas abajo. Se necesita sonido y escalera para que suban dos personas.

Los grupos del Sabato me tienen que decir antes del próximo jueves, que haremos una reunión para organizar detalles que faltan, quienes participarán en la movida grupal, quienes con sus perfos individuales y quienes en ambas y enviarme sus respectivos blog para ponerlos en el volante. Además decirme si lo que harán será con sonido o no. Trataremos de resolver la mayor cantidad de pedidos. Si no fuera posible piensen también en estrategias para hacerlo sin sonido. En las que yo pueda estar (porque no trabajo en otros lugares estaré y en las que no, veré como se teje con tiempo (no hay mucho ya) lo que haga falta.

Hasta ahora hay fijadas dos perfos generales el día lunes 17 de mayo en el recreo que va de 20.55 a 21.5 aproximadamente y el día jueves 27 en el mismo horario, que es el recambio de alumnos de las aulas y donde se llenan los patios.
Hay que estar a las 20 hs. en el Sabato – Uriburu 763, -escaleras para abajo- para entrar al Centro- y ahí combinar acciones de acuerdo a la cantidad de gente que se junte. Dirección Uriburu 763. La idea que quisieramos concretar es concentrar unas 30 o 40 personas para la performance física y unos 10 o 20 registradores, en cada movida. Los registradores se juntaran luego una o dos veces para implementar subidas editadas o no, a sus respectivos sitios, además de que se deberá subir a la página del Sabato.

Texto (lo saqué de you tube) Habría que leerlos durante la perfo uno Nico y otro Salomé con el micrófono subidos a la escalera.

“ El mas seguro recurso de los tiranos es la devisión de los pueblos, pues equilibrada entonces su fuerza quedan al fin, despedazados y sujeros”

“Creen que los hijos del país puedan volver a las cadenas?. No conocen los enemigos que, aún cuando logren nuestro exterminio, nuestros hijos han de vengar la muerte de sus padres”.

“El gobierno antiguo nos había condenado a vegetar en la oscuridad y abatimiento pero como la naturaleza nos ha criado para grandes cosas hemos empezado a obrarlas, limpiando el terreno de tanto mandón ignorante(…).”

Mariano Moreno.
(el primer defensor de los pueblos indígenas junto a Juan José Castelli)
Los pueblos indígenas:
“Desde el descubrimiento empezó la malicia a perseguir a hombres que no tuvieron otro delito que haber nacido en unas tierras que la naturaleza enriqueció con opulencia y que prefieren dejar sus pueblos que sujetarse a las opresiones y servicios de sus amos, jueces y curas. Se ve continuamente sacarse violentamente a estos infelices de sus hogares y patrias, para venir a ser víctimas de una disimulada inmolación”.

“La libertad de los pueblos no consiste en palabras, ni debe existir en los papeles solamente. Si deseamos que los pueblos sean libres, observemos religiosamente el sagrado principio de la igualdad (Mariano Moreno, decreto de Supresión de Honores, 6 de diciembre de 1810).”

“Yo he visto llorar a muchos hombres por la infamia con que se les entregaba y yo mismo he llorado más que otro alguno, cuando a las tres de la tarde del 27 de junio de 1806, vi entrar a 1.560 hombres ingleses, que apoderados de mi patria se alojaron en el fuerte y demás cuarteles de la ciudad”.

“Si los pueblos no se ilustran, si no se divulgan sus derechos, si cada hombre no conoce lo que puede, vale, debe, nuevas ilusiones sucederán a los antiguas y será tal vez nuestra suerte cambiar de tiranos sin destruir la tiranía”.

“Quiero mas una libertad peligrosa que una servidumbre tranquila”.

Mariano Moreno, abogado, muerto en dudosas circunstancias, odiado por aquellos que no creían y no creen en la verdadera independencia.

Fecha fijada por Susana de árabe, Gloria de Folklore y Mariana de Flamenco.
Las tres directoras harán una performance en el patio con bailarines que ellas convocarán. Se necesita sí o sí sonido y subir las dos tablas Diego.
Consistirá en que suene un “enganchado” de los tres tipos de danza y que los grupos armados para este fin se pongan en movimiento en distintos espacios del patio. Estarán con ropa de calle, entre la gente. El armado lo tejerán ellas.
Los bailarines deberán estar a la 20 hs. del día viernes 21 para realizar una performance a las 20.55 hasta las 21.5
La idea es que este país fue y está atravesado por diferentes culturas a partir de la inmigración. Las mismas tienen particularidades y puntos en común. Habría que estudiar mejor si el volante para este día es otro o el mismo general con la frase de Moreno

VOLANTE.
EN EL BICENTENARIO
Grupos del Sabato en acción
Laboratorio Cultural -área danza-
+ colectivos y artistas amigos/as.

“QUIERO MAS UNA LIBERTAD PELIGROSA QUE UNA SERVIDUMBRE TRANQUILA”
Mariano Moreno.

Falta invitar artistas y colectivos amigos y por supuesto confirmar su participación o no.

Un abrazo a todos.
Blanca Rizzo- Responsable del Area Danza del Laboratorio Cultural.

2010-05-10T06:36:00.000-07:00

RADAR

DOMINGO, 9 DE MAYO DE 2010

UNA ENTREVISTA CON EL MEXICANO

YOSHUA OKON

Pequeñas anécdotas

sobre las instituciones

En 1994 fundó y abrió La Panadería, un espacio

que llevó aire fresco a una escena del arte

contemporáneo en México agobiada por el

circuito de museos y coleccionistas y que

ayudó a devolverle al arte una dimensión

política y social. Ahora, dirige Soma, un

espacio que redobla la apuesta con charlas,

talleres, residencias y encuentros. De paso

por Buenos Aires, Radar charló con Yoshua

Okón sobre las instituciones y los caminos

alternativos, los modos de involucrar a los

espectadores pasivos y los motivos por los

que los artistas se están volcando a lo educativo.

Por Claudio Iglesias

Desde mediados de los ‘90 el artista mexicano

Yoshua Okón desarrolla una obra centrada en

el funcionamiento de la percepción colectiva,

las instituciones sociales y la circulación del

conflicto en la sociedad contemporánea. En

su trabajo, la violencia, la explotación laboral,

los cruces entre la ilegalidad, la sociedad civil

y el Estado no son temas sometidos a un

análisis externo, sino construcciones simbólicas

en las cuales el espectador debe sentirse

implicado como alguien cargado de prejuicios

y condicionamientos. Okón es también el

fundador de La Panadería, un espacio de

artistas que se volvió legendario por haber

podido alojar a una masa candente de artistas

y promotores culturales que no encontraban

eco en las instituciones públicas mexicanas,

y actualmente dirige Soma, un programa

educativo que funciona simultáneamente como

residencia, espacio de charlas y punto de

encuentro para artistas. Okón estuvo en Buenos

Aires hace algunas semanas, invitado por el

Centro de Investigaciones Artísticas, y con él

conversamos, en una entrevista de la que

también participó el artista argentino Syd Krochmalny,

sobre las distintas fases de su trabajo, la

necesidad de involucrar al público y cierto giro hacia

la educación en el interés de los artistas contemporáneos.

¿Cómo surge La Panadería, el espacio que fundaste

en 1994 junto a Miguel Calderón?

–La Panadería surge en un contexto en el que las

instituciones mexicanas estaban dormidas. Desde

la preparatoria veníamos ya encabronados de ir a

los museos y que no tuviera nada que ver con nuestra

vida, estábamos como desesperados por algún tipo

de arte que reflejara tu cotidianidad y tu forma de vivir.

Por eso abrir La Panadería fue como abrir el garaje

de nuestras casas. Dimos con una necesidad elemental

que existía en ese momento, porque inmediatamente

notamos que había mucha demanda de espacios de

producción contemporánea. Al principio funcionábamos

con una estructura comunitaria, no había curadores.

Había sólo un lineamiento básico, que era no exhibir

el tipo de arte que se exhibía en las instituciones.

¿Cuál era la búsqueda que ustedes preconizaban

en ese antagonismo con las instituciones?

–En ese momento en México sólo había cabida

para la abstracción sensible. Y el problema de esa

época es que muchos pintores iban de sus estudios

a las casas de los coleccionistas. No había discurso

sobre arte ni dimensión discursiva en el mismo arte,

y el arte ni siquiera se mostraba públicamente. Es decir

que tampoco había una comunidad muy fuerte, no

había puntos de encuentro ni de contacto. Básicamente,

lo que buscábamos era que el arte fuera una experiencia

perceptual y sensual, pero que tuviera también una

dimensión social y política.

Syd Krochmalny: ¿Pensaron que generar un espacio

de estas características ya era una forma artística en sí misma?

–Cuando abrí La Panadería en 1994 recién me estaba

encontrando como artista. De alguna manera ese lugar

fue mi escuela y la escuela de muchos. Es decir que

simultáneamente inventamos un contexto, inventamos

nuestro lenguaje y nos inventamos a nosotros mismos.

Y sobre todo, teníamos la conciencia de que quienes

estamos haciendo arte vivimos en un lugar concreto,

en un contexto determinado, con determinados grupos

humanos, etcétera.

coyoteria

En el trabajo

de Okón, la

reflexión sobre

las instituciones

sociales y

artísticas está

en íntima vinculación con el rol que el espectador asume frente

a ellas. Situaciones de violencia, conflictos entre clases

sociales o grupos culturales son analizados en videoinstalaciones

o performances que obligan a un proceso de reflexión ética

e inmersión corporal y psicológica. Uno de sus primeros

trabajos (también en colaboración con Miguel Calderón)

nos muestra el robo de un estéreo en un video, y una

torre de estéreos conseguidos en el mercado negro. El

objeto totémico que completan los doscientos aparatos

funciona como un espejo en el cual el espectador puede

recuperar sus propios prejuicios y conceptos asociados

con el delito, la inseguridad y la presencia del crimen en

la trama de la economía. Coyotería, uno de sus trabajos

más famosos, es una reversión de la pieza de 1974 I

Like America and America Likes Me, de Joseph Beuys.

Okón no introdujo un coyote real en la galería, sino a

una persona que trabaja mediando con la burocracia

estatal en lo relativo a pasaportes, cruces de frontera,

etc., personaje típico también conocido como “coyote”

en México. Una suerte de chamán de lo informal,

capaz de ir y volver desde las agencias policiales y

de seguridad al reino de la pura ilegalidad, el coyote

de Okón durmió con él en la galería Rene Block de

Nueva York y mordisqueó, ocasionalmente, su bastón

de policía. En White Russians, uno de sus últimos

trabajos, llevó al público de arte de Los Angeles al

corazón del desierto y registró su interacción con la

típica familia white trash que les ofrecía el trago a

base de vodka y leche que da nombre a la pieza.

Al ver tus trabajos es imposible no pensar en la

provocación o la ironía...

–En mi trabajo utilizo distintos mecanismos, pero

no tengo interés en shockear ni provocar. Mi interés

es hacer que el espectador llegue a poner atención

sobre su propia situación y su propio rol en relación

con lo que percibe. Y no me refiero solamente a una

atención cerebral, sino también a la sensualidad y

al cuerpo. Por eso utilizo varios canales de video.

Nuestra relación con el video monocanal está muy

viciada, por la televisión y la pantalla de la computadora

; yo busco una relación con la imagen en la cual no

pierdas conciencia del cuerpo: utilizar el espacio de

exhibición para hacerte muy consciente de que estás

ahí cerebral, emocional y corporalmente.

En tu trabajo son frecuentes las situaciones de

violencia, marginación, sobreexplotación...

–Parto de contextos específicos, y parte de esos

contextos es la gente, o son las instituciones, o

ciertas actitudes culturales, y básicamente en mi

trabajo utilizo un material preexistente. Pero debí

afrontar una interpretación muy simplista, que es la

de darle demasiado peso etnográfico al trabajo,

como si yo fuera un antropólogo a la antigua que

analiza desde afuera ciertas situaciones y las

ofrece a un auditorio también distante. En realidad

lo que más me importa es que el que mira el trabajo

no mire desde afuera. La idea tradicional de la

antropología tiene que ver con la capacidad de mirar

desde afuera; y yo creo que la idea que se tiene del

arte, o la actitud al ir a mirar arte, es muy parecida,

de mirar como de lejos. Por eso busco crear mecanismos

que no te den esta opción. Y el humor sin dudas es

uno de estos mecanismos. Así es que aparezco yo

mismo actuando de etnógrafo en Lago Bolsena. O

bien, en White Russians, ibas a ver un trabajo de sitio

específico en una casa de familia en el High Desert

californiano y de repente te veías con un trago en la

mano y en una situación en la que te estaban viendo

y grabando a ti en realidad. Pero ésa es la clave, que

tomes conciencia de que eres parte. Que como

espectador eres cómplice, pues estás adentro de la

ecuación, y no afuera. Estás implicado, y en el momento

en que estás implicado tomas distancia de ti mismo; no

de la obra, pero sí de ti mismo.

parkinglotus

¿Cómo aparece Soma?

–Cuando cerramos La Panadería no

veíamos claramente la razón, y es que

el contexto cambió tan rápidamente

que ni lo asimilamos. Con el tiempo pudimos asimilar

los cambios y empezar a conceptualizar una posible

reinvención de La Panadería que respondiera a un

nuevo contexto. Este nuevo contexto se define

porque, con el boom del mercado que acompañó a

esta última década, toda la práctica artística se frivolizó

mucho y el lado espectacular del arte adquirió

muchísima importancia, mientras que el lado discursivo

y comunitario de la escena se erosionó. Porque el

mercado pide individuos que producen objetos, de ahí

que desaparezcan los espacios que aglutinaban a la

comunidad y proveían formatos para que florecieran

discursos, de ahí que los actores se aíslen nuevamente.

Entonces se vuelve evidente que lo que se necesita

reforzar no son los espacios de exhibición, pues sobran,

sino los espacios de creación discursiva y puntos de

encuentro. Y Soma se estructura en función de estas

nuevas necesidades en un contexto que ya es distinto

del de 1994. Soma es, simultáneamente, un espacio

de encuentro, un programa de talleres y una residencia.

A diferencia de La Panadería, está más específicamente

volcado a la educación y al discurso.

Actualmente el tema de la educación artística y el

“giro educacional” están recibiendo mucha atención.

Aparecen formatos de trabajo que tienen que ver con lo

didáctico, de la misma manera que hace diez o quince

años aparecían formatos asociados con lo relacional

o lo participativo. Y por su parte el cubo blanco, el

dispositivo de exhibición convencional, viene siendo

cascoteado hace tiempo; ¿creés que tu trabajo puede

leerse desde esta óptica?

–Mi trabajo tardó mucho tiempo más en asimilarse que

otros de mi generación y esto tiene que ver con los

condicionamientos típicos del mercado, pues yo no produzco

objetos inertes e idénticos a sí mismos, sino obras con una

morfología un poco más compleja. Ahora que hay crisis en

el mercado y mucha mayor conciencia de los efectos negativos

que ha tenido esta preponderancia del mercado tan desproporcionada,

está empezando a haber un nuevo interés en otro tipo de prácticas

no tan empaquetables.

2010-05-03T21:28:00.002-07:00

MARTES, 27 DE ABRIL DE 2010

Página 12

PLASTICA › LA PUBLICACION DEL LIBRO DE LA RED CONCEPTUALISMOS DEL SUR

Trabajar contra un relato canónico

Sentido, programa y acciones de una red de cincuenta investigadores y artistas latinoamericanos, que comenzó a funcionar en 2007 para rescatar de un modo alternativo las particularidades e incidencias del conceptualismo regional.

Por Ana Longoni *

La Red Conceptualismos del Sur se origina a fines de 2007, cuando un núcleo de investigadores latinoamericanos decidimos fundar una plataforma internacional de trabajo, pensamiento y toma de posición colectivos.

Nos mueve la urgencia por incidir ante lo que consideramos señales evidentes de una tendencia fetichizadora y desactivadora del potencial crítico de esas experiencias. La creciente incorporación de estas experiencias al relato canónico de la historia del arte (en términos de “conceptualismo global”), su ingreso pacífico al museo y la “fiebre de archivo” que empieza a convertir los escasos restos materiales de esas prácticas (papeles, fotos) en objetos codiciados por el mercado del arte.

Queremos contribuir a generar otras políticas (claramente desmarcadas de la lógica hegemónica) en cuanto a investigación, archivo y formas de publicitación (publicaciones, exposiciones, etc.), iniciativas colectivas que además involucren a sujetos y a instituciones dispersos en distintos países. La Red Conceptualismos del Sur surgió con la idea de contribuir a la reactivación de la potencia crítica de aquellas experiencias. Reivindicamos la presencia de su memoria sensible y apostamos a pensar en dispositivos para que ésta se convierta en una fuerza antagonista en el marco del capitalismo cognitivo actual.

No nos definimos como un agrupamiento de índole académica. Nos pensamos como sujetos implicados en roles y deseos múltiples en medio de una trama compleja que excede largamente los claustros universitarios (pero tampoco los repele), y donde nuestro involucramiento y activación responden a una cuestión indisociable de nuestra vida misma.

Usamos nuestro nombre, Red Conceptualismos del Sur, en un sentido conscientemente “táctico” (ya que no nos interesa construir un relato otro ni fijar una nueva genealogía, ni oponer a las prácticas del centro un conceptualismo de la “periferia”). Términos como “conceptualismos” o “prácticas conceptuales” vienen sirviendo en los últimos veinte años para acometer una tarea historiográfica, teórica y crítica de desjerarquización, impugnación y descentramiento de los relatos canónicos en torno del “arte conceptual”, entendiéndolo no como una tendencia artística específica y acotada, sino como una manera diferente de practicar el arte y de comprender su función social.

Del mismo modo usamos el término “Sur” en un sentido estratégico. Queremos intervenir en las demarcaciones geopolíticas de un territorio, América latina, desde las actuales coyunturas hemisféricas. La toma de posición desde América latina no supone la reivindicación de una identidad cultural regional, sino más bien permite la revisión de aquellas dicotomías estrictas que dividen entre centro y periferia; entre canon y contracanon, entre primer y tercer mundos, entre lo occidental y lo no occidental.

Somos una Red abierta integrada hasta ahora por cerca de 50 investigadores y artistas, radicada en México, Perú, Ecuador, Chile, Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia, Paraguay, Francia y España. Nos organizamos además en grupos de trabajo específicos y transversales, que llevan a cabo distintos proyectos. Funcionamos de manera horizontal en la toma de decisiones con debates a través de las herramientas que nos proporciona Internet, así como en reuniones plenarias (ya hemos realizado tres).

De hecho, el libro que presentamos es el resultado del seminario que organizamos en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Pablo (USP) en el marco de nuestra primera sesión plenaria. Es un homenaje a Walter Zanini, que fue director de ese mismo museo en los años más difíciles de la dictadura brasileña y generó en el museo un territorio de libertad y experimentación inéditos. El mismo Zanini estuvo presente los tres días que duró el seminario, en el que debatimos ante un público nutrido por distintas generaciones, sobre la figura de artista/curador y archivista con el aporte del mexicano Felipe Ehrenberg, el uruguayo Clemente Padín, el catalán Antoni Mercader, el brasileño Paulo Bruscky y la argentina Graciela Carnevale. Todos ellos artistas que han conservado los documentos de experiencias colectivas, constituyendo acervos que son reservorios de memoria completamente al margen hasta no hace mucho de las colecciones museológicas y los intereses del mercado.

Una segunda parte del libro –“Relatos otros de los conceptualismos”– reúne aportes de investigaciones recientes que están rescatando del olvido una serie de casos, obras, artistas y escenas, que obligan a repensar los discursos centrales acerca del “conceptualismo”. Los aportes de Fernando Davis sobre la estética revulsiva que impulsan Vigo y la vanguardia platense desde sus revistas de poesía visual en el contexto de la vertiginosa politización de los primeros ’70. O el texto de Soledad Novoa sobre la escena experimental chilena de los ’60, rescatando episodios y modalidades experimentales por su fragilidad y precariedad, cuya memoria fue luego arrasada por la violencia del golpe de Estado de 1973. O el texto de Miguel López y Emilio Tarazona que vienen llevando a cabo un riguroso trabajo de exhumación de la desconocida escena experimental peruana de los ’60 y los ’70, centrándose en esta oportunidad en las tensiones políticas y artísticas que se concentran en el año 1970. Por último, la tercera parte del libro da cuenta de los sentidos en pugna en medio de la recuperación contemporánea de los conceptualismos. El aporte de Suely Rolnik, “Desentrañando futuros”, en el que distingue entre las dimensiones micro y macropolítica y los modos en que se articulan en el contexto del movimiento de crítica institucional desplegado dentro y fuera del arte en los ’60 y los ’70. Cristina Freire hace un balance de las implicancias de hablar de “arte conceptual” y “conceptualismos”, pasadas varias décadas de su emergencia e inscripción en la historia del arte. Señala los riesgos de convertir un legado vanguardista y utópico en algo nostálgico y paralizado. Ese y otros dilemas irresueltos, como se titula mi propio texto, quedan planteados para continuar pensando colectivamente estos asuntos.

Estamos de hecho preparando otras publicaciones, encuentros, pero sobre todo poniendo en marcha varios proyectos de investigación y generación de archivo, e incluso exposiciones (como la de Roberto Jacoby, que tendrá ocasión en el Museo Reina Sofía de Madrid en febrero del año próximo).

Por eso pensamos que, más que centrarnos exclusivamente en el libro, esta ocasión es propicia para dar a conocer al menos muy sucintamente algunos de los proyectos en que estamos involucrados desde la RCS. No serán todos, pero al menos un paneo de algunos en los que participamos los integrantes de la Red aquí presentes. Algunos de estos proyectos cuentan con el apoyo del Mncars y el Seacex.

En primer lugar, Lelé de Rueda y Fernando Davis presentarán el proyecto sobre redes de artistas en los ’60 y los ’70, que involucra archivos, artistas e investigadores dispersos en Chile, Brasil, México, Uruguay, Colombia y la Argentina.

En segundo lugar, Fernanda Carvajal y Juan Pablo Pérez Rocca presentarán el proyecto “Activismos artísticos de los ’80”. Si los ’60 vienen recibiendo notable atención, en cambio los ’80, entre el terror y la fiesta, encabalgados entre el final de las dictaduras y la transición a las democracias, dio lugar a una serie de escenas en las que aparecen nuevas y arriesgadas formas de actuar en política.

Juan Pablo, que integra el comité editor de la revista Des/Bordes, también contará la modalidad de este medio, que no se piensa como un órgano oficial de la Red sino como un activador parásito e inesperado.

Luego, Syd Krochmalny expondrá algunos resultados de un taller que realizamos en nuestra última reunión plenaria en Santiago de Chile el año pasado, sobre cómo pensarnos e imaginarnos como Red.

Escritora, investigadora del Conicet y profesora en la Universidad de Buenos Aires. Doctora en Artes (UBA). Su último libro es El Siluetazo (2008, Adriana Hidalgo). Texto de la presentación, hace 20 días, en el Cceba, del libro Conceptualismos del Sur, compilado por A.L. y Cristina Freire; edición bilingüe (portugués y castellano), San Pablo, Annablume, 2009, 361 págs., con textos de Felipe Ehrenberg, Clemente Padín, Graciela Carnevale, Paulo Bruscky, Antoni Mercader, Fernando Davis, Emilio Tarazona, Miguel López, Soledad Novoa y Suely Rolnik.

Arriba, Inventario, muestra de la Red en el Centro Cultural Parque de España (Rosario), en 2008.

Debajo, el libro recién editado.

Presentación de la revista Apuntes de Investigación

2010-04-30T20:58:00.000-07:00

Número de creatividad

La presentación de la revista Apuntes de Investigación se realizó el día jueves 29 de abril a las 19, 30 en la terraza de la editorial Siglo XXI en Palermo Soho. Uno de los invitados al evento, nuestro amigo Patricio Dean, por oficio, escribió sus notas de campo a la madrugada luego de ocurrido el evento y aquí las transcribimos.

La terraza de la editorial Siglo XXI en su casona de la calle Guatemala fue el cálido lugar que los amigos de la revista Apuntes eligieron para presentar su número dedicado a la Creatividad. Sinceramente cuando me encontré con ese título, la primera impresión que produjo en una persona culta como creo serlo, fue la de desconfianza. Qué habrá detrás de este significante trivializado hasta el exceso; qué querrían decir mis amigos editores de la revista con preocupaciones por pelearse con distinto tipo de doxas circulantes, valiéndose de algo que de tan polisémico y convencional puede simplemente significar cualquier cosa. Es verdad que Lucas tiene sesgos romántico populistas que por momentos lo pueden hacer salir de la pista, no obstante entiendo que elige mantenerse en una relación de tensión con esos elementos desde una reivindicación bachelardiana del racionalismo. En la esperanza (estimo), de que ello le resulte productivo. Mis desconfianzas se disiparon casi absolutamente cuando en la madrugada al llegar a mi casa leí con curiosidad la revista y desde el editorial (que comenzaba problematizando el significante) pude concluir, como se decía en el corto tramo de mi niñez argentina de la pampa húmeda, que mis amigos habían, al menos, “salvado la ropa” y construido sobre ese manto confuso, un objeto digno e inteligente.

Cuando subía por las escaleras de la casona de la calle Guatemala todavía no había leído la revista y mi tensión con el nombre elegido para el número continuaba con una frescura y vitalidad que parecían acercarme al enojo. No obstante la amabilidad de ese espacio y las buenas maneras y calidez de Carlitos Díaz, el gerente de la editorial y Laura la encargada de prensa ya predisponían a un clima de amigos y charlas y debate fraternos. En la terraza estaban los que al fin y al cabo son mis amigos: Claudio Benzecry con su capacidad para hablarme del fútbol irlandés, la música brasileña escuchada en un Pub neoyorkino, los avatares de la academia norteamericana y algún debate reciente sobre teoría social; Lucas con nuevo look que en mi biografía personal larga se asocia más a Yul Brinner que a otros calvos más novedosos que mencionaron los editores de la revista ( Un tal Luca Prodan y otro que supongo artista: Carlo De Santos) a los que yo no conozco por mi falta de implicación con la vida cotidiana de Argentina. Estuve con Ricardo Sidicaro y con Georgie Jenkins a quien estimo profundamente más allá de su fuerte herencia británica. Antes de que empezara la mesa llegó Mariana Cerviño, conocida por quienes hacen arte en la Todd University, pero también por el resto de los académicos que entre conmovidos y desconcertados vieron a través de sociología contraataca como Cerviño había intervenido su tesis de maestría hoja por hoja colgándola en la escalera de la facultad de sociales. Los más conservadores creyeron que era un acto anticientífico, sobre todo cuando conocieron su identidad peronista. A propósito venía acompañada de otra investigadora joven, Daniela Lucena, que también se ocupa de cosas claramente extravagantes como ver una vanguardia artística relativamente aliada al primer peronismo. Con las dos estaba una tal mariana Moyano que creí escuchar es una propagandista del oficialismo por el canal 7.

A diferencia de otras reuniones en donde el vino se sirve luego de la presentación, aquí llegabas y te convidaban con un vaso de buen vino, (bueno simplemente porque me gustó no sé cual fue la tecnología que le otorgó una identidad tal o cual), lo que hacía que la comunión entre los asistentes se construyese previamente al evento. Así que una vez comenzada la presentación estábamos todos con ánimo de participar de este evento. Lucas, brevemente, puso las cuestiones que están presentes en los editoriales básicamente en el número 1 y en el aniversario número 10, a saber: preocupación por la excelencia académica, pero en tanto se piense como intervención más o menos indirecta, en la vida pública; voluntad de circulación en los centros del mundo académico y reivindicación de, lo que yo llamaría, la mezcla. Luego de Lucas hizo la presentación específica del número Claudio. Como siempre solvente, buen expositor, realizó un recorrido por los artículos diferentes del número con especial énfasis en los de los presentes y problematizó los casilleros clásicos para pensar cuestiones relativas a la sociología del conocimiento y la cultura. Luego Hernán Thomas que es el autor del artículo sobre transformaciones en la industria vitivinícola, expuso, muy canchero sobre su hipótesis de imaginar una sociotecnología que refute la separación simple tecnología y sociedad. Las particularidades por las que nunca, a juicio de sus trabajos, la transferencia de tecnología resulta en los mismos productos, dado que se incorporan las variables –no menores- relativas a lo local. Paulita expuso su trabajo en el que está presente una situación realmente interesante como objeto de análisis que es la de crisis y casi desaparición de la industria textil, en correspondencia con la producción, por parte de la UBA y en consonancia con experiencias internacionales, de graduados en diseño textil que no encontrarán sus lugares en el mercado de trabajo. Algunos de ellos lo crearán y generarán un espacio de valor cualitativo, que son los locales de diseño y sobre todo la figura de nuevos diseñadores con relevancia internacional. Por último Vanoli habló de las particularidades de las editoriales pequeñas de literatura en ciudades grandes de la Argentina contemporánea. La dificultad y el obstáculo para el conocimiento que supone pensarlas como industria. El público que abarrotaba el salón de la terraza aplaudió con ganas, Lucas invitó a tomar vinos y Carlitos Diaz avisó que llegaban las empanadas. Siguió la charla una larga hora y media más Me contaron que había varios editores con distinto perfil. Alguien muy agradable a quien me presentaron como El Corto, dueño de la editorial Aurelia Rivera, Martín De Santos, sociólogo que estudió en EEUU, cuya familia es la dueña de editorial Manantial, una pareja de editores italianos Patricia Piccolini y Pietro Sacaggio y el mismo Vanoli propietario de una de las pequeñas editoriales de literatura. Vanoli me presentó a su novia, creo que le llaman Poppy y Claudio me contó que es la hermana de un joven caudillo peronista del norte del Gran Buenos Aires. Si mal no escuché Lucas reafirmó diciendo que era uno de los futuros barones del Conurbano- Palacio, se llama, me dijo, y pensé que mi madre irlandesa que había vivido el primer peronismo en la argentina hubiese afirmado que llamarse Palacio y ser peronista era claramente un oxímoron. Lorena Soler (entendí que era una Doctora en sociología paraguaya) vendía revistas y servía vino. También tomaba fotos. Marina Farinetti, muy conocida en los congresos internacionales por su trabajo sobre Santiago del Estero y que alguna vez estuvo como profesora visitante en la Todd University, charlaba muy seriamente con Ricardo Sidicaro, sin soltar su copa de vino. Otro miembro del comité editorial Pepe Casco, que me dijeron es un etnógrafo de tiempo completo en el conurbano bonaerense, apodado el rey del camino de cintura, charlaba con un hombre de cabellos muy largos, otro paraguayo, en este caso artista Performer con el nombre del cantante chileno. A ellos se acercaba Gastón Beltrán a quien conocí en Queens cuando lo apodaban algo así como "El terror de los carros" Lucas me presentó a las autoridades de la Fundación del Sur que son quienes financian a todo el grupo y a la revista: el señor y la señora Dustin Mazzei que están por promover las becas Dustin Mazzei a la innovación en ciencias sociales y las Quindimil Premium para grupos de investigación. Luego me acerqué a Georgie quien hablaba con un artista, creo que atleta y sociólogo húngaro llamado Krochmalny o algo así. Hablaban de Holliwood, de un conocido productor llamado Margulis, creo que ambos lo conocían. Una joven mexicana que charlaba con Benzecry y Danny Sazbón me fue presentada recordándome que había tenido a su novio como estudiante en California, creo que ahora él es actor de telenovelas en Buenos Aires y se llama Juan Palomino. Un joven creo que también Mexicano y antropólogo Santiago Canebardo hablaba con mucha confianza con la encargada de prensa de la editorial siglo XXI. El expositor Thomas, que rompió el mito del Malbec argentino, comía empanadas y tomaba vino, pero no dejaba de escuchar muy atentamente a la antropóloga californiana María Epele.

El evento fue realmente memorable, sobre todo por capacidad para juntar diversos de espacios parecidos. Al final de todo me invitaron y los acompañé a un exclusivo Bar de Palermo Soho. Uno de estilo francés bohemio recomendado por Carlitos Díaz que le llaman lo de Henry.

Patricio Dean

Más fotos en

http://www.facebook.com/album.php?aid=215518&id=107805245990

2010-04-27T11:14:00.000-07:00

Hay en los dibujos de Angel Jara una tradición que quizás tenga su referencia más abarcadora en el dibujante norteamericano Frank Frazetta y posibles recorridos por Richard Corben, seguramente por el británico Simon Bisley, y puntualmente por la revista Fierro en Argentina. Hay algo de ciencia ficción en las imágenes de esta tradición y lo que rápidamente se llama fantasía, pero procesadas a través de los sueños del ciudadano medio del mundo urbano occidental posterior a los cincuentas: los cuerpos de extraordinario desarrollo que debían competir hacia el fin del siglo veinte con cuerpos reales que trazaban más eficientemente que el cómic, los pequeños músculos de cada centimetro de humanidad; las mujeres voluptuosas desplegando o bien un movimiento activo amazónico o una sensualidad sumisa tendida a los pies del guerrero. Por otro lado, la crueldad magnificada sin ambigüedades o expresada a través de directas metáforas de cuerpos sin cabeza; y por último, el movimiento: los cuerpos en una casi permanente acción grandielocuente y quizás fantástica, cercana- aunque el personaje no lo sea- al super héroe. Sobre esa historia están los dibujos de Angel Jara, en este caso solos, fuera del cómic, intentando decir algo sobre este mundo.

Lucas Rubinich

Radio Electronica Artesanal (Mariela y Lola)

2010-04-22T11:42:00.000-07:00

arte-ley de medios-amistad-amor-sociología-nomadismo-música-poesía-comunicación-pasadoyfuturo

construcción de la antena

aire, tierra, antena, orejas, bocas y manos

sala de operaciones

torre de control

duo toievsky

todos

17hs: instalamos la antena con la audaz participación de Federico, Pío, Diego, Leo,Fernanda, Santiago y los Superabundans Haut, Martín y Leandro. 19hs hasta las 3 de la mañana: primera transmision con música de Orquesta Roja. "Un minuto de besos" de Abraham Cruz Villegas. Anticipo de "Al oído" programa de Diego Posadas. Presentación de "La Dora Lopez" programa de Florencia Cabezas, Federico Randazzo, Pio Longo y Fernanda Carvajal. Trasmisión del recital en vivo de Dos Toievski(Julián Terán y Mauro Giaconi). Syd Krochmalny presenta experiencia sonora con Performance de Diego Melero. Música que amigos trajeron en sus mp3, cassetes y cds. Ruidismo espontáneo,Poemas, Micrófono Abierto. gran debate etimológico con expertos en el tema. Panelistas.Todo registrado en la cámara de R.EA. por Magdalena y Nicolás.

La Red CONCEPTUALISMOS DEL SUR

2010-04-20T05:28:00.000-07:00

La Red CONCEPTUALISMOS DEL SUR

Las décadas de 1960 y 1970 vienen siendo profusamente revisitadas por la historia y la crítica del arte en los últimos tiempos. Sin embargo, ese enorme interés no implica una homogeneidad de los enfoques y las perspectivas, ni tampoco de los sentidos que se le atribuyen a aquellas experiencias. En la última década, en distintas partes de América Latina y en países como España y otros de Europa del Este, se están desarrollando investigaciones que rescatan del olvido escenarios, producciones y artistas que nos obligan a repensar los relatos inaugurales y canónicos del conceptualismo global y todavía hegemónico.

La Red Conceptualismos del Sur es una plataforma internacional colectiva de trabajo, pensamiento y toma de posición. Fue fundada a finales de 2007 por un grupo de investigadores y artistas preocupados por la necesidad de intervenir políticamente en los procesos de neutralización del potencial crítico de un conjunto de ‘prácticas conceptuales’ que tuvieron lugar en América Latina a partir de la década de los sesenta. Hoy nuclea alrededor de cincuenta integrantes activos, dispersos en distintos países de América Latina y Europa.

La presentación del primer libro de la Red Conceptualismos del Sur es la excusa para dar a conocer y poner en discusión los posicionamientos y los proyectos que impulsamos en torno a políticas de archivo e investigación, así como también la experimentación de diversos dispositivos de reactivación de la memoria crítica de aquellas experiencias en nuestro presente.

Participantes:

Ana Longoni. Escritora, investigadora del CONICET y profesora de grado y posgrado en la Universidad de Buenos Aires. Doctora en Artes (UBA). Ha publicado, entre otros trabajos, De los poetas malditos al video-clip (Cántaro, 1998), Del Di Tella a Tucumán Arde (El cielo por asalto, 2000), Traiciones. La figura del traidor en los relatos acerca de los sobrevivientes de la represión (Norma, 2007) y El Siluetazo (2008, Adriana Hidalgo).

Fernanda Carvajal (Santiago de Chile, 1982). Socióloga, ha realizado estudios en estética y teoría literaria. Fue profesora e investigadora en la Universidad Católica de Chile. Coautora junto a Camila van Diest del libro Nomadismos y ensamblajes: compañías teatrales en Chile 1990-2008, publicado por Cuarto Propio en Santiago (2009). Actualmente cursa la maestría en Comunicación y Cultura en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Buenos Aires.

María de los Ángeles de Rueda. Profesora y Licenciada en Historia de las Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Magister en Estética y Teoría de las Artes por la misma Universidad. Doctoranda en Arte Contemporáneo Latinoamericano por la FBA-UNLP. Actualmente se desempeña como directora interina de la maestría en Estética y Teoría de las Artes y del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano de la UNLP.

Fernando Davis (La Plata, 1974). Investigador, curador independiente y profesor de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata y de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Fue becario de investigación por la UNLP entre 2002 y 2008. La última exposición a su cargo fue Juan Carlos Romero, Cartografías del cuerpo, asperezas de la palabra (Espacio de Arte Fundación OSDE, 2009).

Juan Pablo Pérez (Buenos Aires, 1974). Licenciado en Artes (Plásticas) por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA) y Profesor Nacional de Bellas Artes por el IUNA-Prilidiano Pueyrredón. Docente de Arte Contemporáneo (UNTREF-IUNA-IES), ha participado en diversos proyectos de investigación en particular sobre la obra de Alfredo Portillos. Coordina el programa de artes visuales en el Centro Cultural de la Cooperación.

Juan Carlos Romero. Profesor Superior de Grabado, egresado de la Escuela Superior de Bellas Artes de la UNLP, institución en la que ejerce la docencia hasta 1975 como titular de las cátedras de “Grabado” y “Teoría del Arte”. Desde 1956 participa en exposiciones en el país y en el exterior y desarrolla su producción artística dentro de las prácticas experimentales del grabado, la fotografía, la instalación, la performance, el arte correo, la poesía visual, el libro de artista y las intervenciones callejeras. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trayectoria.

Syd Krochmalny (Buenos Aires, 1981). Sociólogo, artista y docente universitario. Doctorando de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA, con beca del CONICET. Expuso sus proyectos artísticos en galerías, museos nacionales e internacionales.

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